DISCOGRAPHIE SELECTIVE

Repeat The Best Of Jethro Tull Vol. II (CD -1977 )
Broadsword and the Beast (original) (CD - 1982 )
M.U. The Best Of Jethro Tull (CD - 1985 )
J-Tull Dot Com (CD - 1999 )
Nightcap : The Unreleased Masters 1973-1991 (CD - 2000 )
Living with the Past (CD - 2002 )
Songs from the Wood (CD - 2003 )
A (CD - 2004 )
Stormwatch (CD - 2004 )

Christmas Album (CD - 2004 ) Broadsword and the Beast (CD - 2005 )

Crest of a Knave (CD - 2005 )
Under Wraps (CD - 2005 )

ABOUT BY Rodney Quill in http://www.jethrotull.com/press/jethrotullbiography.html

Early in 1968, a group of young British musicians, born from the ashes of various failed regional bands gathered together in hunger, destitution and modest optimism in Luton, North of London. With a common love of Blues and an appreciation, between them, of various other music forms, they started to win over a small but enthusiastic audience in the various pubs and clubs of Southern England. The breakthrough came when they were offered the Thursday night residency at London's famous Marquee Club in Wardour Street, Soho.

The early Jethro Tull released their first Blues-oriented album, This Was, in the latter part of 1968 before moving on to more home-grown and eclectic efforts in 1969 with Stand Up and a flutter of single releases, including Living In The Past, in the UK market.

Benefit, Aqualung, and Thick As A Brick followed and the band's success grew internationally. Various band members came and went, but the charismatic front man and composer, flautist and singer Ian Anderson continued, as he does to this day, to lead the group through its various musical incarnations.

Jethro Tull were, by the mid-seventies, one of the most successful live performing acts on the world stage, rivalling Zeppelin, Elton John and even the Rolling Stones. Surprising, really, for a group whose more sophisticated and evolved stylistic extravagance was far from the Pop and Rock norm of that era.

With now some 30-odd albums to their credit and sales totalling more than 50 million, the apparently uncommercial Tull have continued over the next three decades to travel near and far to fans across the world.

After forty years at the bottom, at the top and various points in between, Tull are still performing typically more than a hundred concerts each year. Ian Anderson and Martin Barre remain at the centre of a group of sometimes changing but highly capable - indeed excellent - musicians. Currently, Doane Perry, veteran Tull drummer of some 24 years experience, together with John O'Hara on piano and accordion, and David Goodier on bass guitar are to be found in the line-up, delighting audiences and continuing the legacy of Tull's music with its rich variety and depth of expression wherever fans, young and old, want to hear Rock, Folk, Jazz and Classical-inspired music for grown-ups.

                                                                                                                                                       KING CRIMSON 

UK, 1969
Genres musicaux: Progressive rock, Rock,

Free jazz, Rock expérimental, Heavy metal

Artistes associés:  Genesis, Yes, Van der Graaf Generator,

The Beatles, Pink Floyd, Peter Gabriel, Roxy Music, Marillion
.

Influence musicale: Bela Bartok, Karlheinz Stockhausen,

John Coltrane, Mahavishnu Orchestra
Succession musicale: Radiohead, The Mars Volta

www.elephant-talk.com

Pat Mastelotto : Batterie
Tony Levin : Basse
Adrian Belew : Chant, Guitare, Basse, Batterie, Claviers
Robert Fripp : Guitare
Membres passés
David Cross : Violon
Mel Collins : Saxophone
Jamie Muir : Percussion
Bill Bruford : Batterie
Andy McCulloch : Batterie
Gordon Haskell : Chant, Basse
John Wetton : Chant, Guitare, Basse
Michael Giles : Batterie
Ian McDonald : Guitare, Claviers, Ian McDonaldibraphone , Flûte, Saxophone
Greg Lake : Chant, Guitare, Basse

http://www.music-story.com/king-crimson/biographie

 

C'est l'histoire d'un des groupes les plus fondamentaux , d'un des jalons les plus essentiels du rock voire de la musique contemporaine (tant transcender les genres fait partie de ses incontestables attributs), ayant réussi à faire dire de lui (dans un élan comme seuls les géants peuvent en déclencher) à un chroniqueur inspiré (cité malheureusement de mémoire) qu'il opéra « la fusion à froid du rock, du jazz, et de Stockhausen », d'un combo aux mille visages mais toujours dirigé de main de maître par l'inénarrable Robert Fripp et au patronyme plus qu'amplement mérité (royal pour la grandeur inégalée, l'éclectisme absolu, pourpre pour la beauté étrange et sulfureuse des sommets musicaux offerts depuis plus de trente ans, le tout relevant effectivement très souvent d'une inspiration démoniaque) : le donc bien nommé et immense King Crimson.

C'est en Octobre 1969 à Londres que commença la formidable aventure qui se poursuit encore actuellement et que l'on peut diviser en quatre périodes.

La première démarra par le coup de tonnerre, l'incroyable déflagration que représenta dans le ciel serein de la scène pop-rock de l'époque ce « premier modèle » (Peter Gabriel) , ce « chef d'œuvre de l'étrange » (Pete Townshend), ce « Sergent Pepper's de la musique progressive » (Xavier Chatagnon de Rock & Folk) qu'est sans aucun doute In the court of the crimson king, l'album dont même les non spécialistes se souviennent encore (l'album à l'oreille), tant son contenu allait ouvrir au rock et à la musique en général des perspectives d'une nouveauté aussi radicale qu'inouïe (étymologiquement parlant).

Car ne nous y trompons pas, même si dans le véritable bouillon de culture que représente cette époque, certaines voix s'étaient déjà faites entendre, désireuses de sortir la musique populaire d'un indéniable formatage (et on peut penser à l'inspiration romantique et onirique des Moody Blues - utilisant déjà le mellotron - de « The Days of future passed », baroque et extravagante du « Nice » des The Nice, symphonique et ténébreuse du « Shine on Brightly » des Procol Harum et de sa longue suite « In held twas in I »), les Pink Floyd en étant encore à une formule certes originale mais rétrospectivement relativement classique dans le psychédélisme ambiant, Yes et Genesis encore dans les limbes, c'est bel et bien le premier opus du Roi Pourpre (en compagnie peut-être de ceux de la Soft Machine mais dans un tout autre registre) qui s'impose magistralement comme la pierre de base du rock qu'on ne tarderait pas à appeler progressif et qu'il fondait donc littéralement, autant que la référence absolue de tous les musiciens soucieux de recherches sans compromis, de croisements, d'invention et d'audace, le tout à un niveau de perfection formelle et de maîtrise instrumentale qui laisse pantois pour une première production et que très peu atteignirent par la suite, quelque soit leurs ambitions initiales.

Et si dans cette première période, la formation de départ (R. Fripp, G. Lake, M.Giles, I.Mac Donald, P.Sinfield) allait subir maints changements de personnel, jusqu'au premier split général, le cap était définitivement donné d'une fusion toujours inventive, d'une beauté parfois sereine mais toujours sidérante, de rock symphonique et mélodique, ou énergique et furieux, de jazz déjanté et insoumis, et d'expérimentation quasi avant-gardiste, variant sans pratiquement jamais défaillir (à quelques redites près dans In the wake of Poseïdon et quelques légères baisses de régime dans Islands) ses effets, dans un fabuleux kaleïdoscope d'influences et de timbres (des instruments les plus classiques aux dernières innovations technologiques de l'époque) pour accoucher d'une musique d'une richesse, d'une diversité et d'une cohérence hors du commun.

En 1972 la valse des membres du groupe cesse faute de combattants (les exigences du maître Fripp ne sont pas toujours faciles à assumer, et la vie de tournée toujours harassante pour un groupe ne vendant tout de même pas beaucoup d'albums et contraint de tourner beaucoup pour vivre), et les divergences musicales avec le dernier résistant (parolier talentueux et unique membre fondateur restant) P. Sinfield étant devenues trop criantes, le capitaine Fripp se retrouve seul, mais avec une parfaite idée de la voie où il désire désormais s'engager.

Car la deuxième période du groupe jusqu'en 1974 (autour des musiciens de base : B. Bruford qui n'hésite pas un instant à quitter un groupe pourtant aussi prestigieux que Yes, J. Wetton et D . Cross auquel J. Muir apporte un bref mais lumineux concours), souvent la préférée par les aficionados du groupe, va voir celui-ci atteindre des hauteurs peut-être parfois encore plus élevées. R. Fripp atteint désormais sa maturité créative et instrumentale (il devient définitivement l'incroyable guitariste que même des virtuoses comme Steve Vaï ou Joe Satriani reconnaissent, sans que les béotiens épris de soli tape-à-l'œil puissent le comprendre, un maître absolu) et c'est bien autour de sa guitare prédominante, tranchante comme l'acier, au son énorme et aux embardées frénétiques, que la créature va renaître et emprunter des chemins toujours aussi inexplorés (les capacités de défrichage du groupe et de son mentor sont pratiquement sans égales) mais côtoyant de plus en plus intimement les berges sombres d'un nihilisme torturé et d'une noirceur radicale.

Et de Lark's tongue in aspic à Red (influence majeure de Kurt Cobain, qui va jusqu'à totalement réinventer un heavy métal d'une monstrueuse intelligence et faire ainsi exploser les limites du genre) en passant par Starless and bible black, King Crimson va illuminer l'histoire musicale du XX ème siècle de quelques unes de ses pages les plus paroxystiquement éblouissantes.

Mais les voies du maître sont impénétrables et il fait brutalement de nouveau le vide autour de lui et cette fois-ci pour une très longue période.

Car l'animal ne renaîtra qu'en 1981 avec B. Bruford et deux nouveaux venus l'américain T. Levin et le transfuge virtuose de Talking Heads A. Belew, inaugurant ainsi une formule inédite à deux guitaristes, source évidente de renouvellement.

Et c'est sûrement à ce dernier que la nouvelle orientation du groupe doit beaucoup pour cette troisième période plus âpre, plus urbaine, plus « indy » par certains côtés, parfois plus tribale, plus dansante, peut-être un peu trop influencée par la new-wave ambiante (d'où le nouveau guitariste était évidemment issu) par d'autres, sûrement moins aboutie (toutes proportions gardées eut égard aux habitudes prises, mais ce côté « brut de fonderie » allait perdurer, explicitant, si besoin en était, clairement, que cette musique là n'est pas forcément faite pour plaire) passant des morceaux les plus fracassés et les plus sauvagement déstructurés, aux presque ballades en passant par ces valses hypnotiques et obsédantes que permettent les possibilités nouvelles de dialogues entre les deux guitaristes et dont le premier jalon monochrome Discipline reste l'opus majeur (mais il ne faudrait surtout pas oublier d'écouter une fois dans sa vie les véritables tueries que sont « Industry » et « Lark's tongue in aspic part III » sur Beat, et les terribles descentes aux enfers de « Neurotica » et « Requiem » sur Three of a perfect pair).

Mais R.Fripp éprouve alors de nouveau le besoin de se ressourcer, et la dernière formation, modèle de stabilité par rapport aux précédentes, est brutalement dissoute en 1984, l'inter-règne, comme se plait à les appeler R.Fripp lui-même, durant jusqu'en 1994, date à laquelle débute la dernière période du groupe, période heureusement encore d'actualité.Et que l'on pourrait qualifier finalement de synthèse, car à partir d'une formation certes hors du commun (un double trio guitare, basse, batterie où les nouveaux arrivants Trey Gunn et Pat Mastelotto, ancien accompagnateur de David Sylvian avec qui Rober Fripp avait déjà travaillé pendant son éloignement du groupe, épaulent les grands anciens de la période précédente) King Crimson forge sur un procédé quasiment idiosyncrasique d'alternance de sonorités électronisantes à souhait et de réminiscences acoustiques, l'amalgame du heavy-métal progressif perfectionné pendant les deux premières périodes, et des incroyables duels de guitares endiablées initiés par la troisième (et qui deviennent une véritable marque de fabrique du groupe) accentuant avec une puissance encore accrue le côté abrasif d'une musique aux débordements d'une ténébreuse et incoercible rage, et atteignant de nouveaux sommets dans Thrak et The power to believe.

Plût aux forces de l'ombre et de la beauté convulsive que l'aventure ne s'arrête pas là, comme le laisse heureusement présager les dernières rumeurs.

DISCOGRAPHIE SELECTIVE:

2003 The power to believe Sanctuary -
2002 Happy with what you have to be happy with Sanctuary -
2000 The construkction of light Virgin -
1995 B Boom Discipline records -
1995 Thrak Discipline records -
1994 VROOOM Discipline records -
1984 Three of a perfect pair EG -
1982 Beat EG -
1981 Discipline EG -
1975 Usa EG -
1974 Red EG
1974 Starless and bible black EG -
1973 Larks tongues in aspic EG

1972 Earthbound EG -

1971 Islands EG
1970 Lizard EG
1970 In the wake of poseidon EG
1969 In the court of the Crimson King EG

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                             JOY DIVISION

BIOGRAPHIE - DISCOGRAPHIEhttp://www.enkiri.com /joy/biojd_bio_f.html

Chapître I - Origines (The Stiff kittens & Warsaw) :

En 1976, le mouvement punk fit brutalement irruption et tira la musique pop de son apathie. Les leaders du mouvement furent les Sex Pistols, dont les titres célèbres, comme "Anarchy in the UK" ou "God save the Queen", allaient être les hymnes de cette génération du "no future". La plupart des musiciens punks ne savaient pas jouer, mais ne voyaient pas cela comme un obstacle pour atteindre leur but : monter sur scène et hurler leur rage à la face du monde ! Beaucoup étaient influencés par de célèbres groupes "culte" de la fin des années 60 et du début des années 70 : Le Velvet Underground, Lou Reed, David Bowie, Alice Cooper, Les Stooges, Iggy Pop, Les Doors...

Pendant la tournée Anarchy in the UK, les Pistols jouèrent à Manchester le 4 juin et le 20 juillet. Dans le public se trouvaient quatre jeunes gens vivant dans les environs de Manchester : Peter Hook, Bernard Albrecht et Terry Mason, trois copains d'école de Salford, ainsi que Ian Curtis - qui n'assista qu'au concert de juillet. Immédiatement, Peter, Bernard et Terry décidèrent de monter un groupe, avec Peter à la basse, Bernard à la guitare et Terry à la batterie, mais ils avaient besoin d'un chanteur. Ils passèrent une annonce au magasin de disques Virgin de Manchester. Ian y répondit et devint le chanteur du groupe, appelé alors the Stiff Kittens. Il allait également écrire les textes des chansons.

En décembre, ils enregistrèrent quatre titres, qui devaient apparaître plus tard sur "An Ideal For Living". En janvier 1978 le groupe changea de nouveau de nom pour s'appeler Joy Division, pour éviter toute confusion avec un autre groupe. Le 14 avril , ils participèrent avec 16 autres groupes à un concours : Tony Wilson, qui travaillait pour la chaîne Granada TV, et Rob Gretton furent grandement impressionnés par leur performance.
Chapître II - Naissance d'une légende (Joy Division - Factory) :

Joy Division entra en studio pour l'enregistrement de onze titres avec le label RCA. Pour la première fois, ils ne sonnaient pas comme tous les autres groupes punks. Mais certaines modifications faites par le producteur, et les conditions du contrat avec RCA leur déplurent. Pour cette raison le 21 mai, Bernard arriva à faire de Rob le manager du groupe. Le 8 juin, Tony ouvrait un club à Manchester, appelé The Factory I - d'après le nom du Factory de Warhol ou simplement après qu'Alan Erasmus, un acteur de théâtre, ami de Tony, ait vu un panneau avec ce mot dans le voisinage. Peter Saville, un jeune artiste local, conçut une affiche pour l'événement, et Joy Division sembla plein de promesses à beaucoup de critiques.

Ils répètèrent tout l'été ce qui eut pour effet immédiat de faire mûrir leur musique. Avec l'aide de Rob Gretton, ils purent empêcher la sortie du disque de RCA (qui devint plus tard le pirate "Warsaw"). Du fait de toutes ces répétions et de tous ces concerts, ils s'étaient considérablement améliorés, et les critiques comme le public étaient de plus en plus impressionnés. Le 20 septembre, ils passèrent sur Granada TV en live, et décidèrent de jouer "Shadowplay", un de leurs titres récents. Ils donnèrent un autre concert à the Factory où des exemplaires gratuits de "An Ideal for Living" furent distribués aux journalistes. Ce fut à cette occasion que les routes de Martin Hannett et de Joy Division se croisèrent pour la première fois.

A la fin de 1978, Tony Wilson et Alan Erasmus fondèrent une maison de disques appelée "Factory Records", qui deviendra le label indépendant le plus célèbre et créatif de son époque. Peter Saville fut choisi comme designer, et Martin Hannett comme producteur. En octobre, Hannett produisit deux titres de Joy Division, qui apparurent sur une compilation appelée "A Factory Sample". Les mois suivants, Rob Gretton organisa des concerts à Manchester, Leeds, Liverpool, Canterbury, Bristol, York et Londres, et le groupe commença à se créer un véritable public. Ils durent cependant faire face à un problème sérieux, car Ian était désormais victime de crises d'épilepsie.

Le 31 janvier 1979 , ils enregistrèrent quatre morceaux pour John Peel, le célèbre DJ sur BBC Radio 1. Cette Peel session fut diffusée deux semaines plus tard, et suivie d'un autre concert à Londres, puis d'une scéance d'enregistrement avec le label WEA, et enfin d'autres concerts, avec The Cure. Sur scène, Joy Division avait quelques caractéristiques spéciales : ils choisissaient les chansons qu'ils allaient interpréter juste avant le début du spectacle, et ils jouaient avec très peu de lumière à cause de l'épilepsie de Ian.
Chapître III - Unknown Pleasures :

Rob Gretton et Tony Wilson se mirent d'accord pour produire le premier album du groupe. Joy Division répéta quasiment jour et nuit tout le mois d'avril, et composa environ quinze nouvelles chansons. Avec Martin Hannet ils travaillèrent intensément sur "Unknown Pleasures". Les dix titres sont remarquables, de par la musique et les paroles bien sûr, mais aussi grâce à l'apport incontestable de Hannett qui sut les entourer d'une aura particulière. L'atmosphère, le son des morceaux sont oppressants, sombres et claustrophobes, mais en même temps puissants, émouvants et éclatants.

Puis ils reprirent la route, jouant en Angleterre avec Orchestral Manoeuvres In The Dark et quelques autres, et enregistrèrent plusieurs titres pour une radio locale, Piccadilly Radio. L'impact et le renom de Joy Division grandissait rapidement, même s'ils refusaient les interviews de façon presque systématique - pensant que leur musique parlait parfaitement pour eux. Ils n'avaient pas de promotion publicitaire : simplement des concerts, des concerts et encore des concerts, surtout dans la région de Manchester. En juillet 1979 parut "Unknown Pleasures", dans sa pochette noire, agrémentée d'un simple dessin en noir et blanc. Le design de Peter Saville n'incluait ni photo des membres du groupe ni leur nom . L'album reçut des critiques particulièrement élogieuses - meilleur disque depuis le LA. Woman des Doors - et resta longtemps dans les classements anglais indépendants. Bizarrement, tous étaient encore des amateurs, avec chacun un métier !

La batterie claque comme des coups de feu, sauf quand Steven délivre de furieux roulements sur ses fûts, la basse est omniprésente, parfois menaçante, parfois plus calme, mais toujours utilisée d'une manière tout à fait inhabituelle pour un groupe pop, avec un rôle primordial dans l'architecture des chansons et la mélodie. La guitare joue souvent avec la basse, dans une sorte de contrepoint; le son varie, distordu ou clair, plus ou moins aggressif, flou ou brillant et à la précision chirurgicale. Le chant et les paroles de Ian élèvent encore le niveau : on sent que Joy Division ne triche pas, mais se dévoile et s'expose. La colère ou la peur que l'on entend dans sa voix sont simplement la vérité nue.
Sur ces bases remarquables, l'apport de Hannett, incluant des synthétiseurs et du bruitage, plus un extraordinaire travail sur le son des instruments (avec Chris Nagle) crée une atmosphère unique de tension et de chaos.

A la fin juillet, Paul Slattery photographia Joy Division à Stockport, et le groupe donna une interview au NME. Au même moment, il travaillait avec Martin Hannett sur deux autres morceaux pour un single. Il repartit en tournée en août, principalement à Londres, avec Echo And The Bunnymen et Orchestral Manoeuvres, et à Liverpool. Ian, Peter, Steve et Bernard purent quitter leur autre job et se dédier totalement à Joy Division.

Leur performance au Leeds Futurama One festival fut grandement appréciée - ils jouèrent avec d'autres groupes comme Cabaret Voltaire, A Certain Ratio, Public Image Limited, Orchestral Manoeuvres In The Dark ... - ainsi qu'au Nashville Club à Londres. Invités par la BBC, ils jouèrent deux chansons pour le show TV "Something Else".

Après un autre concert à The Factory I, ils firent une tournée au Royaume-Uni en première partie des Buzzcocks : Liverpool, Leeds, Newcastle, Glasgow, Edinburgh, Aberdeen, Dundee, Bangor, Sheffield, Derby, Birmingham, Manchester, Leicester, Oxford, Bournemouth, Cardiff, Bristol, Londres, entre autres. Chaque nuit, le public était surpris et interpellé par la musique de Joy Division et l'intensité de leur performance sur scène. A Liverpool le public quitta les lieux juste après la prestation de Joy Division, comme s'il savait que rien d'aussi fort ne pourrait survenir, même si beaucoup n'avaient jamais entendu parler du groupe. A Bristol, les gens furent totalement vidés après leur apparition. De nombreux critiques, du NME, de Melody Maker ou de Sounds, partageaient exactement le même sentiment. Naturellement, les Buzzcocks devinrent jaloux du succès de Joy Division... Entre les concerts de la tournée, ils jouèrent aux environs de Manchester, et pour la première fois hors de Grande-Bretagne, à Bruxelles.

Le goupe fut alors contacté par le vice-président de Warner Brothers Records, qui leur offrit un million de dollars pour les signer sur son label. Rob Gretton et le groupe déclinèrent l'offre.

Le 26 novembre, Joy Division enregistra une seconde John Peel session avec Tony Wilson, qui fut diffusée quelques semaines plus tard sur Radio One.
Chapître IV - Closer :

Rob Gretton planifia une tournée en Europe pour Joy Division en décembre 1979 et janvier 1980. Onze dates en France, aux Pays-Bas, en Belgique et en Allemagne. Le premier concert fut donné à Paris, aux Bains-Douches : Bernard Lenoir, le John Peel français, diffusa le groupe live sur les ondes de la radio française; puis eurent lieu un concert à Manchester dans la nuit du Nouvel An, et celui du Paradiso à Amsterdam, où Joy Division, qui n'avait pu trouver de première partie, joua deux fois de suite !

Les shows suivants se déroulèrent à La Haye, Nimègues, Anvers, Cologne - dans une ancienne église, Rotterdam, Bruxelles, Eindhoven, Groningue et Berlin. De retour en Angleterre, ils travaillèrent à la composition de nouveaux morceaux - dont "Love Will Tear Us Apart" - et jouèrent à cinq reprises, à Londres, High Wycombe, Preston, Londres de nouveau et Bristol, A Certain Ratio assurant la première partie. Lors du concert de Preston, ils eurent de nombreux problèmes techniques, et Ian parla longuement au public, pour le faire patienter !

En mars 1980, ils entrèrent aux Britannia Row Studios pour enregistrer leur second album avec Martin Hannett. Entre temps ils avaient gravé "Atmosphere" et "Dead Souls", pour le single "Licht Und Blindheit", dans une édition française limitée à 1578 copies. Dans cet album, "Closer", ils fouillèrent encore plus profondément leurs pensées et leurs sentiments. Encore une fois, le travail et le talent incroyables de Martin Hannett offrirent à la superbe musique de Joy Division l'écrin le plus parfait.

Après l'enregistrement, en avril, le groupe donna quelques concerts : à Londres, au Moonlight Club, et au Rainbow Theatre, où les lumières, trop fortes, déclenchèrent chez Ian une terrible crise d'épilepsie à la fin du spectacle. Mais le groupe devait donner un deuxième concert la même soirée, à nouveau au Moonlight Club. Après un début furieux, Ian s'effondra, incapable de bouger ou de chanter.

Le groupe était déjà considéré comme culte, et toutes ses prestations scéniques étaient à deux doigts de provoquer l'émeute ou le chaos, aussi bien interne qu'externe : "Contrairement à The Fall, qui me donne envie de sortir et de donner un coup de pied à un chat, Joy Division me convainc que je pourais cracher à la face de Dieu." (Neil Norman, NME).

Joy Division devait préparer sa première tournée aux US avec les Buzzcocks, et huit concerts furent organisés à cet effet : mais la santé de Ian se détériorant, seuls cinq eurent lieu, à Malvern, Bury - où Ian ne put tenir très longtemps son rôle, Manchester, Derby et Birmingham le 2 mai.

"Closer" devait être publié sous peu - Factory avait entre temps sorti un 45 tours flexible gratuit avec de nouveaux titres, Joy Division devait partir pour les Etats-Unis et Warner Brothers Records leur avait de nouveau offert un contrat d'un million de dollars, assorti d'une totale liberté artistique.

Mais Ian n'en pouvait plus : sa santé et des problèmes sentimentaux l'accablaient. Le 17 mai, il revint dans sa maison à Macclesfield, regarda Stroszek, un film de Werner Herzog, l'histoire d'un chanteur, un paumé, qui finit par se suicider, écouta l'album d'Iggy Pop "The Idiot" et le matin du 18 mai se pendit dans sa cuisine. Il fut incinéré au cimetière de Macclesfield le 23 mai.

John Peel annonça la mort de Ian sur Radio One le 19 mai, et rendit hommage au groupe et à l'homme avec "Atmosphere", qui était alors quasi-inconnu au Royaume-Uni. Peter, Steve, Bernard, Martin, Rob, Tony et les autres étaient tout simplement anéantis par le suicide de Ian. "Closer" et le single "Love Will Tear Us Apart" sortirent finalement à la fin de juin 1980. Les pochettes, qui avaient été choisies des mois auparavant, étaient comme toujours designées par Peter Saville : elles incluaient deux photos en noir et blanc de Bernard Pierre Wolff, un remarquable photographe français, prises dans le cimetière de Gênes, Il Staglieno : un Christ mort entouré de personnes le veillant pour "Closer", et un ange se lamentant pour "LWTUA".

"LWTUA" inclut deux versions de la chanson, car ni Joy Division ni Martin Hannett n'avaient pu se décider sur la version qu'ils préféraient. Le titre atteignit la cinquième place des classements Indies. Une video du morceau fut égalemnt diffusée. La beauté et la force de "Closer" viennent de la convergence du travail intense du groupe, du monde intérieur de Ian avant que celui-ci ne s'effondre, et des visions et de la magie de Martin.

Assez bizarrement, plusieurs livres ont été écrits sur "Unknown Pleasures" et aucun sur "Closer". Peut-être parce que "Closer" va là où aucun groupe "pop" ne s'est jamais aventuré ?
Les chansons semblent venir - plus que jamais - d'un autre monde, avec les paroles de Ian remplies de doutes, d'inquiétude et de peurs, la basse bourdonnante de Peter, les riffs tranchants et acérés de la guitare de Bernard et la batterie hypnotisante de Steve, encore une fois sublimés par l'apport de Martin (synthétiseurs, travail sur le son ..., avec l'assistance de John Caffery et de Michael Johnson)."Closer" atteignit la sixième place des charts anglais, et les critiques furent unanimes à le louer. "LWTUA" monta jusqu'à la treizième place du classement des singles, et Joy Division fit la razzia du classement annuel du NME. Bien que leur musique ne ressemblait à aucune autre, elle fut classée comme new-wave, cold-wave ou gothic, mais quel que soit son nom, elle influença de nombreux goupes new-wave (The Cure, Echo and the Bunnymen, U2, etc...).

Chapître V - New Order :

Les membres du groupe s'étaient mis d'accord pour qu'en cas de départ de l'un d'entre-eux, quelle qu'en soit la raison, Joy Division s'arrête. Peter Hook, Stephen Morris et Bernard Albrecht (maintenant Sumner) formèrent New Order, très vite rejoints par Gillian Gilbert aux claviers, Bernard prenant en charge le chant. Mais, de leur premier album, "Movement" - sombre, encore une fois produit par Martin Hannett et toujours dans la lignée de Joy Division - à leurs chansons de danse décalées, ceci est une autre histoire, qui inclut la plus grosse vente de maxi 45 T au monde : "Blue Monday".

Pendant plus d'une décennie et demie, New Order ne joua quasiment jamais de morceau de Joy Division - à l'exception de leurs deux derniers titres que Joy Division n'enregistra jamais en studio ("Ceremony" et "In A Lonely Place"). Depuis leur retour à la fin des années 90, ils jouent en général quelques chansons de Joy Division à chaque concert.

En 1980 et 1981, Factory publia le single "Atmosphere" et l'album "Still", avec des titres rares et les chansons du concert de Birmingham de mai 1980, qui atteignit la cinquième place des charts anglais. En 1982 Ikon sortit une vidéo de Joy Division, filmée lors de plusieurs concerts du groupe "Here are the young men", et en 1986 et 1987, les "Peel Sessions" furent éditées. Factory publia un CD appelé "Substance" en 1988, avec les singles de Joy Division et quelques morceaux inédits, en même temps qu'un autre "Substance", pour New Order celui-là. Une vidéo pour "Atmosphere" fut tournée par Anton Corbijn, qui avait photographié le groupe à diverses occasions.

En 1995, quinze ans après la mort de Ian, une nouvelle compilation "Permanent" fut éditée, et en 1998 un coffret de 4 CD "Heart And Soul" fut commercialisé, suivi en 1999 par le concert de Preston, "Preston 28 February 1980". Les Peel sessions furent rééditées en 2000 dans le CD "The Complete BBC Recordings", et le concert de Paris, "Les Bains Douches 18 December 1979" sortit en 2001. Les années suivantes virent la sortie d'autres disques, dont "Refractured BoxOne" et quantité de disque semi-officiels, la plupart des enregistrements "live", mais aussi "Martin Hannett's Personal Mixes". En 2007 "Unknown Pleasures", "Closer", "LWTUA" & "Still" ont été réédités avec des bonus en tant que double CD mais aussi en vinyl.

De nombreux livres ont été écrits sur Joy Division, New Order et Ian Curtis dans plusieurs pays, dont la biographie de Ian par sa veuve, Deborah, et celle particulièrement intéressante de Mick Middles et Lindsay Reade, l'ancienne femme de Tony Wilson.

Le film "24 Hour Party People" réalisé par Michael Winterbottom, l'un des plus grands cinéastes anglais, raconte l'histoire de Factory, de l'époque punk à la faillite du label, avec des acteurs remarquables. En 2007, "Control", une biographie filmée de Ian Curtis, réalisée par Anton Corbijn a gagné plusieurs prix au Festival de Cannes.

"Joy Division - A Documentary" de Grant Gee sorti également en 2007 est un excellent complément aux films. 2007 a enfin été l'année qui a vu la sortie du livre tant attendu des photos de Joy Division prises par Kevin Cummins, "Juvenes".

En 1973, au lycée Caulfield, Nick Cave fait la connaissance de Mick Harvey, Tracy Pew et Phill Calvert, avec lesquels il monte son premier groupe, qui deviendra The Boys Next Door. En 1978, Rowland S. Howard rejoint le groupe en qualité de guitariste. La collaboration entre Nick Cave et Mick Harvey, multi-instrumentiste et notamment bassiste des Bad Seeds, se poursuit encore aujourd'hui. En 1976, Nick Cave entame des études de peinture au Caulfield Institute of Technology, mais il abandonne en 1977, afin de se consacrer entièrement à la musique. À la fin de l'année 1978, peu après les 21 ans de Nick, son père décède dans un accident de voiture.

À la fin des années 1970, le groupe, partie prenante de la scène post-punk locale, donne de très nombreux concerts dans toute l'Australie avant de changer de nom en 1980 pour devenir The Birthday Party et de s'installer en Europe cette même année, d'abord à Londres, puis à Berlin-Ouest. La compagne et muse de Nick Cave, Anita Lane, suit le groupe en Europe, où il devient rapidement célèbre pour l'énergie déployée dans ses concerts, volontiers provocateurs, qui voient régulièrement Cave hurler et torturer sa voix, bondissant sans relâche aux quatre coins de la scène dans un déluge de rock agressif et d'effet Larsen.

Cependant, malgré de nombreux enregistrements et un culte grandissant autour du groupe en Europe et en Australie, The Birthday Party se sépare en 1984. Rowland S. Howard et Nick Cave ont en effet de plus en plus de mal à travailler ensemble, et leurs abus respectifs de drogues et d'alcool n'arrangent rien. Même si The Birthday Party n'a connu qu'un succès limité au long de sa carrière, il n'en reste pas moins considéré aujourd'hui comme une influence majeure des mouvements psychobilly, death rock ou rock gothique des années 1980.

Nick Cave forme alors avec Mick Harvey ce qui devient la première version de Nick Cave and the Bad Seeds, dont le nom exprime clairement le changement notable de statut du chanteur, qui est désormais le vrai leader. Les paroles des chansons explorent alors de nouveaux thèmes, Nick Cave délaissant quelque peu l'expressionnisme de ses débuts pour écrire des histoires pétries de lyrisme, foisonnant de détails narratifs. Les Bad Seeds se posent d'emblée comme un groupe à composante internationale en intégrant, outre Nick Ca ve et Mick Harvey, le guitariste allemand du groupe de rock industriel Einstürzende Neubauten, Blixa Bargeld, l'ex-bassiste anglais de Magazine, Barry Adamson, et le guitariste australien Hugo Race. Anita Lane participe également, notamment en écrivant les paroles de quelques chansons. Tel quel, le groupe enregistre son premier album, sorti en 1984 : From Her To Eternity.

Cette année-là, Nick Cave entame à Berlin, où il s'est installé, l'écriture de ce qui deviendra son premier roman, Et l'âne vit l'ange (titre original : And the Ass Saw the Angel), dont les thèmes bibliques et le lyrisme noir reflètent les préoccupations exprimées dans les paroles de ses chansons pour les Bad Seeds. À cette époque, s'étant séparé d'Anita Lane, il vit une histoire avec une Berlinoise du nom d'Elisabeth Recker. Au cours de ses années de vie à Berlin, il met la touche finale à quatre albums des Bad Seeds : The First Born is Dead en 1985, Kicking Against the Pricks (album de reprises) et Your Funeral... My Trial en 1986, et Tender Prey en 1988. Cette même année, il publie aussi King Ink, recueil de textes de chansons et de pièces de théâtre, incluant une partie de son travail avec l'artiste américaine Lydia Lunch.

En 1989, après avoir terminé son premier roman, Et l'âne vit l'ange, Nick Cave quitte Berlin-Ouest, peu de temps avant la chute du mur, pour s'installer à São Paulo, au Brésil, où il fait la connaissance d'une Brésilienne du nom de Viviane Carneiro, avec qui il aura un fils, Luke, en 1991. Ce dépaysement et la Saudade brésilienne lui inspireront la plupart des chansons acoustiques de The Good Son. Nick Cave a également trois autres enfants résidant en Australie. En 1993, il retourne s'installer à Londres. Il vit actuellement dans les environs de Brighton, au Royaume-Uni, en compagnie de son épouse, Susie Bick, mannequin et actrice britannique. Le couple est parent de jumeaux, Arthur et Earl.

La musique de Nick Cave illustre plusieurs films de Wim Wenders, dont Les Ailes du désir en 1987 (dans lequel Nick Cave apparaît en concert), Jusqu'au bout du monde en 1991, Faraway, So Close! en 1993 et The Soul of a Man en 2003. Par ailleurs, on découvre Nick Cave acteur dans un film australien indépendant dont il a co-écrit le scénario, Ghosts of the Civil Dead, réalisé par John Hillcoat en 1988, et dans le film Johnny Suede de Tom DiCillo, en 1991, aux côtés de Brad Pitt.

En 1996, Nick Cave and the Bad Seeds publient l'album Murder Ballads qui constitue, comme le suggère son titre, un recueil de chansons sur le thème du meurtre. Nick Cave y interprète deux duos : Henry Lee, avec la chanteuse de rock britannique PJ Harvey (avec qui il vit une brève histoire d'amour), et Where the Wild Roses Grow, avec la star de la pop australienne Kylie Minogue. Ce second titre connaît un franc succès à l'échelon international, et remporte en 1996 trois ARIA Awards en Australie, dont celui de la « Chanson de l'année ». L'album suivant, The Boatman's Call, qui paraît en 1997, marque une rupture de style radicale par rapport à la structure narrative quasi-théâtrale et à la teinte lugubre des chansons de Murder Ballads, Nick Cave choisissant d'adopter cette fois un ton autobiographique intimiste pour évoquer dans ses morceaux ses relations avec Viviane Carneiro et PJ Harvey. Après la sortie de cet album, Nick Cave décide de s'éclipser quelque temps de la scène publique afin de régler ses problèmes de dépendance à l'héroïne et à l'alcool. Il refait surface quatre ans plus tard, en 2001, ressourcé, avec un album complexe et sombre, No More Shall We Part, qui reçoit globalement un excellent accueil, tant de la part des critiques que de la part des fans.

En 1998, étaient parues à la fois une compilation « Best of » des morceaux les plus populaires des albums antérieurs de Nick Cave and the Bad Seeds (ainsi qu'un album live enregistré au Royal Albert Hall de Londres) et, en Australie exclusivement, une compilation non officielle de divers artistes ayant inspiré Nick Cave, Original Seeds: Songs That Inspired Nick Cave comprenant, entre autres, des morceaux de Johnny Cash et de Leonard Cohen. Un deuxième volet, Original Seeds Volume 2, est sorti en 2004.

À partir des années 1990, Nick Cave effectue des tournées en « solo », en plus de ses concerts avec les Bad Seeds. Pour ces concerts sans les Bad Seeds au complet, le groupe se compose de Nick Cave au piano et d'une équipe variable de trois autres musiciens à la basse, à la batterie et au violon. Le trio avec lequel Nick Cave tourne en 2006 inclut trois membres des Bad Seeds : Martyn P. Casey, Jim Sclavunos et Warren Ellis (surnommés les Mini-Seeds).

En 2000, Johnny Cash, l'une des idoles de Nick Cave, reprend, sur l'album American III: Solitary Man, le titre emblématique des Bad Seeds : The Mercy Seat. Il rend ainsi la politesse à Nick Cave qui avait, quelques années auparavant, sur Kicking Against the Pricks, repris The Singer. Nick Cave est ensuite convié, comme plusieurs autres artistes des scènes rock et country, à participer à la rédaction des notes de pochette de la rétrospective consacrée à « l'homme en noir » à l'occasion de son soixante-dixième anniversaire : The Essential Johnny Cash. Les carrières des deux artistes se croisent encore un moment, en 2002, le temps d'un duo sur le quatrième opus de la série American de Johnny Cash (American IV: The Man Comes Around). Ils reprennent pour l'occasion I'm So Lonesome I Could Cry, célèbre chanson d'une autre légende de la country, Hank Williams. Enfin, on peut retrouver sur le coffret posthume Johnny Cash: Unearthed un ultime duo rassemblant Johnny Cash et Nick Cave : il s'agit de leur version de Cindy, chanson traditionnelle américaine.

En 2003, consécutivement à l'échec relatif du nouvel album des Bad Seeds, Nocturama, Blixa Bargeld annonce qu'il quitte le groupe afin de se consacrer davantage à Einstürzende Neubauten. Hormis Nick Cave lui-même, Mick Harvey demeure alors le seul membre restant de la composition originelle des Bad Seeds. L'année suivante, paraît le premier double album du groupe, grand succès critique : Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus.

L'année 2005 est celle de la sortie de B-Sides & Rarities, coffret de trois disques rassemblant pour la première fois cinquante-six chansons jusqu'à lors éparpillées : faces B de singles, raretés et morceaux figurant sur des bandes originales d e films.

Après le tsunami du 26 décembre 2004 ayant violemment touché l'Asie du Sud-Est, Nick Cave fait une apparition au concert WaveAid à Sydney, organisé afin de récolter des fonds pour les organis

Nick Cave, très attiré par le cinéma, écrit en 2004 le scénario du film The Proposition, qui sort l'a nnée suivante en Australie, en octobre 2005, et courant 2006 dans le reste du monde. Situé dans l'outback australien, ce western poétique et violent, réalisé par John Hillcoat, fait notamment se croiser les act eurs Guy Pearce, John Hurt et Emily Watson. La B.O., volontiers atmosphérique, est logique ment enregistrée par Nick Cave, épaulé par son complice Warren Ellis. Elle est commercialisée une semain e avant la sortie australienne du film.

Nick Cave et John Hillcoat projettent d'ores et déjà de réaliser un second film ensemble, une comédie située en Grande-Bretagne, dont le titre provisoire est Death of a Ladies Man (référence à Leonard Cohen).

Fin 2006, il fonde avec trois autres membres des Bad Seeds, Jim Sclavunos, Warren Ellis et Martyn P. Casey , un nouveau groupe de garage rock, baptisé Grinderman, dont le premier album est sorti en mars 2007. Nick Cave y joue pour la première fois de la guitare.

En 2007, il revient à la composition de BO avec Warren Ellis, pour le film L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford, et apparaît dans une des scènes finales dans le rôle d'un mu sicien.

Début 2008, Nick Cave & The Bad Seeds signent un retour salué par les critiques avec Dig, Lazarus, Dig!!!, album s'inspirant librement de la résurrection de Lazare.

DEAD CAN DANCE
BIOGRAPHIE in AMAROKPROG

Dead Can Dance est un groupe britannico-australien composé essentiellement de Lisa Gerrard (née le 12 avril 1961 à Melbourne, Australie) et de Brendan Perry (né le 30 juin 1959 à Londres, Royaume-Uni). Formé en 1981 à Melbourne, le groupe s'est séparé en 1998 mais s'est reformé en 2005 pour une tournée mondiale.

Dead Can Dance a été l'un des fers de lance du label discographique indépendant britannique 4AD, avec d'autres groupes tels que Bauhaus, les Cocteau Twins, les Pixies, This Mortal Coil ou les Throwing Muses.
Les deux membres fondateurs, Brendan Perry et Lisa Gerrard, ont développé leur propre univers, évoluant de la cold wave originelle vers des musiques d'inspiration liturgiques et médiévales aux sonorités incantatoires voire magiques, avant d'aboutir à une musique plus folklorique aux emprunts nord-africains, sud-américains ou asiatiques.

Histoire
En 1981 à Melbourne, Lisa Gerrard et Brendan Perry, se rencontrent et décident de fonder Dead Can Dance, (un nom inspiré du nom d'un masque aborigène, apparemment macabre mais qui devait symboliser la capacité des choses "inanimées" à devenir animées, comme les instruments de musique par exemple...). Les débuts sont difficiles mais le label 4AD leur ouvre les portes. Et là, le succès et la reconnaissance des critiques ne se font pas attendre.
Leur premier album Dead Can dance marie les influences rock de Perry avec celles plus mystiques et classiques de Gerrard. Ainsi se côtoient morceaux cold à la basse doucereuse (A passage in time) avec Perry au chant, à des morceaux plus enlevés et éthérés comme Ocean ou Musica Eternal. C'est aussi l'apparition des percussions, chose assez inhabituelle dans le paysage sonore de l'époque et ajoutant à l'ambiance cérémoniale de l'album.
Leur second opus, Spleen and Ideal est une référence aux poètes et symbolistes du XIXe siècle. L'ambiance générale est plus intimiste, plus sombre, l'instrumentation rock laisse place aux partitions classiques (violon, violoncelle, timbale). La voix de Lisa Gerrard est plus travaillée et plus discernable. La tournée étonne le public, peu habitué à ces ambiances mystiques et magiques, qui tranchent avec la new wave de l'époque, ou encore les atmosphères de concerts gothiques.
Les Dead Can Dance développent encore cette thématique de musique éthérée en produisant Within the realm of a dying sun. Cet album navigue entre morcea ux mystiques comme Anywhere out of the world et atmosphériques Summoming of the Muse.
Puis avec The serpent's egg, leur quatrième album, ils multiplient les influences et les mélanges. L'émergence du style médiéval se fait sentir dans Orbis de Ignis ou Chant of the Paladin et la musique religieuse baroque dans Ulysses ou Severance.

Aion continue dans cette voie baroque et joue dans le registre de la musique liturgique de la Renaissance.

Dead Can Dance poursuivra ses explorations musicales avec Into the labyrinth et Spiritchaser, plus influencés par les musiques du monde et les percussions tribales.
Par la suite et parallèlement, ils entameront chacun une carrière solo et multiplieront les collaborations : Denez Prigent, CoEx, Elijah's Mantle, Pieter Bourke...
Lisa Gerrard, a développé sa propre mélopée aux accents mélancoliques, et est internationalement reconnue depuis sa participation à nombre de bandes originales de films de qualité (Heat, 1995; Nadro, avec Pieter Bourk, 1998; The Insider, avec Pieter Bourke, 1999; Gladiator, avec Hans Zimmer et Klaus Badelt, 2000; Ali, avec Pieter Bourke, 2001, Mission Impossible II (participation), 2001, La chute du Faucon Noir, avec Hans Zimmer, 2002; Whale Rider, 2002, Tears of the Sun, avec Hans Zimmer, 2003, et bien d'autres participations...)[1]. son langage construit de toute pièce comme un esperanto de la World Music. Brendan Perry a plus mo destement écrit Eye of the Hunter, et collaboré aux projets ci-dessus cités.

2005 marque la reformation du groupe avec une tournée européenne et nord-américaine. L'occasion de découvrir de nouvelles compositions telles que Saffron ou Hymn For The Fallen.

THE LEGENDARY PINKDOTS

                                                                                                        Membres:
                                                                                                    

"The Legendary Pink Dots est un groupe de rock anglo-néerlandais formé en 1980 à Londres et expatrié en 1984 à Amsterdam. Leur style singulier est un mélange de rock psychédélique planant et d'une musique expérimentale, industrielle, à tendance post-punk, new-wave ou techno-pop, avec parfois des influences world ou jazzy.
Un groupe prolifique et iconoclaste, l'un des plus intéressants et créatifs de la scène musicale anglaise.Il a publié à ce jour 40 albums, dont plusieurs doubles et un triple (sans compter les tirages limités, les lives et autres compilations." WIKIPEDIA

DISCOGRAPHIE
* 1981 : Dots On The Eyes (TL : tirage limité, réédités en tirages "normaux", certains sous des titres différents et avec des inédits.Cf la mention RTL [réédition tirage limité] après certains albums).
* 1981 : Kleine Krieg (TL)
* 1981 : Only Dreaming (TL)

* 1982 : Apparition (TL)
* 1982 : Brighter Now
* 1982 : Chemical Playschool 2, Edition 2 (TL)
* 1983 : Chemical Playschool 3+4
* 1983 : Basilisk
* 1983 : Curse
* 1984 : Faces in the Fire
* 1984 : The Tower
* 1984 : The Lovers
* 1985 : Prayer for Aradia
* 1985 : Asylum
* 1981 : Chemical Playschool 1+2 (TL)
* 1986 : Island of Jewels
* 1988 : Any Day Now
* 1982 : Premonition (TL)
* 1988 : Traumstadt 1
* 1988 : Traumstadt 2 (TL)
* 1989 : The Golden Age
* 1989 : Traumstadt 5 (TL)
* 1989 : The Legendary Pink Box (RTL)
* 1990 : The Crushed Velvet Apocalypse
* 1988 : Traumstadt 3 (TL)
* 1988 : Traumstadt 4 (TL)
* 1991 : The Maria Dimension
* 1992 : Shadow Weaver
* 1993 : Shadow Weaver, Part 2: Malachai
* 1990 : Four Days
* 1995 : Chemical Playschool 8+9
* 1995 : From Here You'll Watch The World Go By
* 1994 : 9 Lives to Wonder
* 1997 : Chemical Playschool 10
* 1996 : It's Raining In Heaven
* 1997 : Ancient Daze (RTL)

* 1997 : Hallway of the Gods
* 1997 : Under Triple Moons (RTL)
* 1997 : Stained Glass, Soma Fountains (RTL)
* 1998 : Nemesis Online
* 1999 : Sing While You May (PoiPoka Mozhesh)
* 2000 : A Perfect Mystery
* 2002 : Synesthesia
* 2002 : All The King's Horses
* 2002 : All The King's Men

* 2001 : Chemical Playschool: Vol. 11, 12 & 13
* 2004 : The Whispering Wall
* 2004 : Poppy Variations
* 2004 : Crushed Mementos (RTL)
* 2006 : Your Children Placate You From Premature Graves
* 2006 : Alchemical Playschool

• http://www.theclashonline.com/music
• Protest songPunk,Reggae,Rockabilly,Ska,Funk 
• Artistes associés

• :Sex Pistols,Sham 69,Joe Strummer,The Pogues,The Specials,The Dictators,Toots and the Maytals

• Influence musicale:Eddie Cochran, Lee Scratch Perry
• Succession musicale,Big Audio Dynamite,The Dead 60s

Pendant longtemps, le Clash a été spécialiste des beaux et gros cadeaux de Noël. En publiant en l'espace d'un an le double album London Calling (décembre 1979) puis le triple Sandinista ! (décembre 1980), Joe Strummer et ses acolytes avaient laissé sous les sapins l'équivalent de cinq disques et près de quatre heures de musique. Deux perles d'une discographie riche de six albums, définitivement close avec la mort de Strummer, à Noël 2002. Le Clash s'apprêtait alors à donner son premier concert depuis quinze ans, pour célébrer son intronisation au Rock'n'roll Hall of Fame. Une distinction honorifique qui avait tout du paradoxe, pour un groupe qui, un quart de siècle avant, professait vouloir faire table rase du passé. C'était cela, le Clash : quatre individus devenus, en même pas dix ans de carrière, par leur génie et leur engagement, de véritables héros pour une génération qui chantait pourtant « No More Heroes ».

Avant de s'éteindre, Strummer avait eu le temps de voir la reine Elisabeth fêter ses cinquante ans de règne, au printemps 2002. Un quart de siècle avant, il faisait partie d'une bande de jeunes gens aux cheveux en crête qui avait déchiré le rideau officiel de son jubilé à grands coups d'épingles à nourrice.

En 1976, le meneur s'appelle alors Johnny Rotten et glapit ses slogans au sein des Sex Pistols. A sa façon, Strummer sera un de ses disciples : « Un jour, j'ai vu les Sex Pistols, et je suis devenu un roi », déclarera-t-il. Le futur leader du Clash chante alors au sein des 101ers, une formation de pub-rock londonienne dont les Sex Pistols assurent la première partie, le 3 avril 1976 (« J'ai compris que nous étions finis »). Le choc l'amène à rejoindre début juin un autre groupe, London SS. Celui-ci, où sévissent les guitaristes Mick Jones et Keith Levene et le bassiste Paul Simonon, fraye déjà avec le milieu punk (Chrissie Hynde, future Pretenders, Rat Scabies des Damned).  

The Clash est né... pour aussitôt commencer à changer de forme. Keith Levene prend plus ou moins volontairement la sortie dès septembre : il se rattrapera largement en rejoignant deux ans plus tard le Public Image Ltd. de Johnny Rotten/John Lydon, le temps de deux albums majeurs du post-punk anglais (Public Image, Metal box). Topper Headon, lui, remplacera définitivement le batteur Terry Chimes après la sortie du premier album, et le Clash (nom choisi sous l'impulsion de Paul Simonon, en référence aux affrontements nombreux qui marquaient l'époque) se stabilisera autour du quatuor Strummer-Jones-Simonon-Headon. Un line-up auquel il faut ajouter un cinquième larron : le manager Bernie Rhodes. Ancien associé de Malcom McLaren, c'est lui qui présente les membres du groupe les uns aux autres, après avoir également introduit Johnny Rotten au sein des Sex Pistols. Un autre lien reliant le groupe aux défricheurs du punk, avec qui The Clash participe bientôt à l'Anarchy in the UK Tour.

Dès son premier single, «White Riot» (inspiré des émeutes de Notting Hill, auquel le groupe a assisté le 30 août 1976), le Clash frappe alors un grand coup. Semblable aux Sex Pistols, qui alignent les slogans promis à l'éternité (« I am an antichrist / I am an anarchist » , « Fascist regime / There's no future »), les quatre Londoniens marquent leur empreinte avec une face B simplement titrée « 1977 : No more Elvis, Beatles or Rolling Stones ! » . Le rock anglais s'amuse à se réinventer, imagine un retour à l'année zéro : de cette reconstruction en trompe-l'œil, The Clash, premier disque des quatre Londoniens, reste, près de trente ans après sa sortie, une des pierres angulaires. Plus tranchant et fauché que Never mind the bollocks des Pistols, il contient quatorze incendies allumés par les guitares de Mick Jones et le chant de Strummer. L'Amérique en prend pour son grade (« I'm so bored with the U.S.A » ) et les hippies aussi (« Hate & war », pastiche ironique du « Peace and love » baba...).

1978 s'annonce alors aussi difficile que 1977 a été fertile : pour le Clash comme pour le reste des groupes punks anglais, le plus dur reste à faire, confirmer, évoluer. Les Sex Pistols, eux, ont tiré sans le savoir leur révérence le 14 janvier 1978, lors d'un concert au Winterland de San Francisco. Ce soir-là, Johnny Rotten lance dans la foule l'épitaphe définitive de la plus magnifique arnaque de l'histoire du rock anglais : « Jamais eu l'impression de vous faire avoir ? » . Répondre à cette question allait être la tâche du Clash, pour les deux années a venir. Montrer au public qu'il ne s'était pas fait avoir. Qu'après avoir détruit, le punk allait être capable d'inventer. « En tant que groupe punk londonien numéro deux, le projet des Clash a toujours été de donner un sens aux devinettes des Sex Pistols - et ça marchait » , écrira le critique Greil Marcus (Lipstick traces. Une histoire secrète du vingtième siècle). A un mouvement punk en « quête de sens », The Clash allait apporter une réponse : « Les Pistols étaient une comète, déclarera Mick Jones. Le but du Clash était plutôt de se développer musicalement ».

Pour cela, il fallait finalement prendre le contre-pied du punk anglais originel. La maturation du Clash passe alors par une tentation américaine dont le groupe sort plus fort : c'est Give'em enough rope, un ensemble de chansons extrêmement solides à la New York Dolls, «plombé» ou renforcé, selon les avis, par la production massive de Sandy Pearlman.

Pendant les deux années suivantes, la carrière du groupe va alors se résumer aux quatre mots d'une chanson de Stiff Little Fingers : « Roots, radicals, rockers and reggae » . Avec les fantastiques London calling et Sandinista ! (55 titres à eux deux), le Clash, notamment sous l'impulsion de Mick Jones, va puiser dans le passé (reggae, dub, rockabilly) et réfléchir au futur (hip-hop, funk).

Une évolution finalement logique de la part d'une formation qui, dès son premier disque, lorgnait du côté de la Jamaïque, notamment via la reprise de « Police and thieves » de Junior Murvin. Et qui, loin de se contenter de zoner sur King's road, vadrouille à ce moment-là entre Etats-Unis, Angleterre et Jamaïque.

Le Clash est alors la locomotive d'un rock anglais qui explore tous azimuts, entre revival soul (les Dexy's Midnight Runners, le Jam de The Gift) et ska (Madness, The Specials), embardées psychédéliques (The Undertones), post-punk (The Buzzcocks, PiL) et cold-wave (Joy Division, The Cure). Ce fantastique métissage, les Londoniens en livreront l'exemple le plus abouti, reflet d'un état d'esprit de plus en plus collectif : après Strummer et Jones, Simonon et Headon empoignent eux aussi le micro.

The Essential Clash(March 11, 2003)Super Black Market Clash(January 25, 2000)Combat Rock(January 25, 2000)Sandinista(January 25, 2000)Give 'Em Enough Rope (January 25, 2000)The Clash [US](January 25, 2000)From Here to Eternity: Live(October 26, 1999)Cut The Crap(September 6, 1994)

Discography Live At Shea Stadium(October 7, 2008)The Clash: The Singles (Single Disc)(August 4, 2008)Revolution Rock (DVD)(April 15, 2008)The Clash: The Singles Box Set(June 5, 2007)The Collection(May 31, 2005)London Calling (Legacy Edition)(September 21, 2004)The Clash On Broadway(June 22, 2004)

Cette ouverture d'esprit n'est pas que musicale : elle s'incarne aussi dans des gestes politiques et commerciaux inouïs. London calling et Sandinista ! regorgent de chansons engagées (« Guns of Brixton » , « Lost in The Supermarket » , « The Call Up » , « Washington Bullets » ...). Et les deux disques, malgré leur taille imposante, sont vendus pour un prix modique, comme les places de concert. Le groupe sacrifie ainsi une bonne partie de ses revenus. Une manière détournée de liquider au plus vite son contrat avec CBS pour se tourner vers un label indépendant. Il faut dire que ses relations avec sa maison de disques, entamée par la signature d'un contrat mirifique le 27 janvier 1977, s'étaient engagées sous des auspices difficiles. Le fanzine punk Sniffin' glue les avait alors accusés de trahison (« Le punk est mort le jour où le Clash a signé avec CBS » ), tandis que le label imposait son choix de singles et que le groupe refusait de jouer en play-back à Top of the pops.

Le Clash allait ressortir lessivé de ce bras de fer avec l'industrie. « Faire ça dans l'Angleterre de Thatcher, en période de récession, c'était une sorte de geste magistral » , déclarera Joe Strummer. Mick Jones reconnaîtra lui que, si une telle lutte « s'était passée au Japon, tous les responsables de la maison de disques se seraient suicidés ». Deux ans plus tard, le groupe enregistre en tout cas un cinquième album plus resserré mais inégal, Combat rock. Et ouvre pour les Who dans les stades américains (Strummer : « Ils incarnaient ce que nous serions devenus si nous avions continué, et ça m'a vraiment fichu les jetons » ). Héroïnomane, Headon quitte le groupe cette même année, provisoirement remplacé par Terry Chimes, puis par Pete Howard. En conflit avec Strummer et Simonon, Mick Jones part également, en 1983. Les deux survivants embauchent les guitaristes Nick Sheppard et Vince White, et enregistrent en 1985 le curieux et décevant Cut the crap, où les boîtes à rythmes font leur apparition. C'est un retour aux racines - fauché, le groupe dort chez ses fans -, mais le cœur n'y est plus.

The Clash n'est plus alors le groupe flamboyant de 1978. Celui au sein duquel Joe Strummer chantait : « I saw some passing yabbos / We did chance to speak / I knew how to sing / You know / And they know how to pose / And one of them had a Les Paul / Heart attack machine

BIOGRAPHIE IN http://www.thecramps.com In the spring of 1976, The CRAMPS began to fester in a NYC apartment. Without fresh air or natural light, the group developed its uniquely mutant strain of rock'n'roll aided only by the sickly blue rays of late night TV. While the jackhammer rhythms of punk were proliferating in NYC, The CRAMPS dove into the deepest recesses of the rock'n'roll psyche for the most primal of all rhythmic impulses -- rockabilly -- the sound of southern culture falling apart in a blaze of shudders and hiccups. As late night sci-fi reruns colored the room, The CRAMPS also picked and chose amongst the psychotic debris of previous rock eras - instrumental rock, surf, psychedelia, and sixties punk. And then they added the junkiest element of all -- themselves. - J. H. Sasfy, Professor of Rockology, from the liner notes of The Cramps 1979 release Gravest Hits It would be almost impossible to have never heard of The CRAMPS. Their career has been the stuff of legend. Dangerously bizarre but most of all cool, The CRAMPS represent everything that is truly reprehensible about rock'n'roll. Founding members Lux Interior (the psycho-sexual Elvis/Werewolf hybrid from hell) and guitar-slinging soul-mate Poison Ivy (the ultimate bad girl vixen) are the architects of a wicked sound that distills a cross of swamp water, moonshine and nitro down to a dangerous and unstable musical substance. Their cultural impact has spawned a legion of devil cults and dance-floor catfights, and created in its wake a cavalcade of cave-stomping imitators. As punk rock pioneers in the late seventies, they cut their teeth on the stages of CBGB and Max's Kansas City and recorded their first record at Sam Phillips legendary Sun Studios, funded mainly by Ivy's income as a dominatrix in NYC. They coined the now popular term "psychobilly" on their 1976 gig posters. Their hair-raising live performances are still a total, no-holds-barred rock'n'roll assault. After a quarter century of mayhem, they're too far gone to even consider any other course. The current line-up still features long-time Cramps drummer Harry Drumdini, plus new blood Sean Yseult sittin' in on bass.

						DISCOGRAPHIE Gravest Hits (12'' - 1979 ) Songs the Lord Taught Us (LP - 1980 ) Psychedelic Jungle (LP - 1981 ) Smell Of Female (12'' - 1983 ) ...Off the Bone (Compilation - 1983 ) Bad Music for Bad People (Compil 1984) A Date With Elvis (LP - 1986 ) Rockinnreelininaucklandnewzealandxxx(Live- 1987 Stay Sick (CD - 1990 ) Look Mom, No Head! (LP - 1991 ) Flamejob (LP - 1994 ) Big Beat From Badsville (LP - 1997 ) Fiends of Dope Island (CD - 2003 ) How to Make a Monster (Compil2004)
PUNK ROCK, SACRAMENTO, 1976 Erick Purkhiser aka Lux Interior : Chant Kristy Wallace aka Poison Ivy : Guitare Harry Drumdini : Batterie (1993-2003, 2006-) EX: Shauna Reynolds aka Sean Yseult : Basse (2006) Scott "Chopper" Franklin : Basse (2002-2006) Greg Beckerleg aka Bryan Gregory:Guitare(1976-80),R.I.P. 2001 Pam Beckerleg aka Pam Ballam : Batterie (1976) Miriam Linna : Batterie (1976-1977) Nicholas Stephanoff aka Nick Knox : Batterie (1977-1991) Julien Grindsnatch aka Julien Bond : Guitare (1980) Brian Tristan aka Kid Congo Powers : Guitare (1980-1983) Mike Metoff aka Ike Knox : Guitare (1983-1984) Jim Sclavunos : Batterie (1984) Touch Hazard : Basse (1985) Jennifer Dixon aka Fur : Basse (1986) Candy del Mar : Basse (1986-1991) Slim Chance : Basse (1991-1998) Nicky Alexander : Batterie (1991-1993) Doran Shelley : Basse (1996-1998) Bill "Buster" Bateman : Batterie (2004-2006)

Le logo de Bad Religion, la "crossbuster"

Los Angeles, punk rock, punkcore mélodique, punk hardcore Années actives 1980 - 1984? 1986 - aujourd'hui Label(s) Epitaph (1980 - 1994, 2001 - aujourd'hui) Atlantic Records (1994 - 2001) Site internet http://www.badreligion.com/ Membres Greg Graffin Brett Gurewitz Greg Hetson Brian Baker Jay Bentley Brooks Wackerman Anciens membres Paul Dedona Tim Gallegos Jay Ziskrout Pete Finestone Davy Goldman Lucky Lehrer Bobby Schayer John Albert

Le groupe fut créé à Los Angeles, en Californie, en 1980 par Greg Graffin, Jay Bentley, Jay Ziskrout, et Brett Gurewitz alors camarades d'école. Ils sortirent, en 1981, leur premier enregistrement homonyme sur le label punk rock indépendant Epitaph Records créé et géré par Brett Gurewitz. En 1982 le groupe sortit son premier album How Could Hell Be Any Worse?, qui élargit leur audience. Durant l'enregistrement de celui-ci, Jay Ziskrout quitta le groupe et fut remplacé par Peter Finestone. 1st band photo  suffer tour '88 

En 1983, le groupe sortit l'album Into the Unknown agrémenté de gimmicks de rock psychédélique au piano. Cet album fut très impopulaire auprès des fans. Bad Religion le désavoua et en cessa même un temps la diffusion. Toutefois, plus tard, l'album en question devenu un "collector", retrouva un peu de considération de la part des fans, qui le considèrent comme un bon album, bien que peu représentatif de Bad Religion. Maintenant cet album, parfois piraté, peut se vendre pour plus de 100 dollars sur eBay. En 1984, le groupe retourna à un son plus rock avec l'EP Back to the Known, mais le groupe se sépara peu de temps après.

Le groupe se reforma en 1986 et sortit, la même année, l'album Suffer, qui cimenta son retour sur la scène punk. Cet album est considéré comme un des meilleurs du groupe et aurait "sauvé" la scène punk Californienne, selon ses fans.

Les albums No Control, sorti en 1989, et Against the Grain, sorti en 1991 ainsi que Generator, sorti en 1992, augmentèrent davantage la popularité du groupe. Avant l'enregistrement de l'album Generator, Pete Finestone abandonna le groupe en 1991 pour se consacrer à The Fishermen, son propre groupe. Bobby Schayer vint le remplacer. Puis, l'album Recipe for Hate sortit en 1993. Tandis que la musique rock alternatif et la musique punk rock refaisaient leur apparition sur le grand marché, Bad Religion abandonna Epitaph Records, pour signer avec Atlantic Records et ressortirent Recipe for Hate sur ce label. En fait, Epitaph avait vendu les droits de cet album à Atlantic. En 1994, le groupe sortit ensuite l'album Stranger Than Fiction, mais Gurewitz quitta le groupe à ce moment-là. Il accusa le groupe d'être "vendu" au label Atlantic Records. De plus, Gurewitz était dépendant à l'héroïne ainsi qu'à d'autres drogues, ce qui provoquait des tensions dans le groupe. Après avoir quitté Bad Religion, il fonda par la suite son propre groupe Daredevils.

Gurewitz fut par la suite remplacé par le guitariste Brian Baker, l'un des fondateurs de groupes tels que Minor Threat et Dag Nasty. Les albums qui suivirent la venue de Baker eurent un succès moyen. Puisque leur popularité n'était plus ce qu'elle était, Bad Religion quitta Atlantic Records en 2001 et retournèrent chez Epitaph. Bobby Schayer dut aussi quitter le groupe en raison d'une sérieuse blessure à l'épaule. Il fut remplacé par Brooks Wackerman du groupe Suicidal Tendencies et Gurewitz rejoignit à nouveau le groupe pour l'enregistremment de The Process of Belief en 2002. En Juin 2004, The Empire Strikes First sortit sur Epitaph. Le groupe ressortit également, cette même année, bon nombre de leurs albums précédents dont How Could Hell Be Any Worse?, Suffer, No Control, Against the Grain, et Generator. La deuxième édition de How Could Hell Be Any Worse? contient aussi tous leurs premiers titres, ainsi que les chansons "Public Service" et "Back To The Known".

Récemment, en mai 2005, sur The Bad Religion Page, on rapporte que Greg Graffin aurait dit que le groupe allait enregistrer, plus tard dans l'année, un album dont la sortie est prévue pour 2006. Un DVD live voit aussi le jour, intitulé Live At The Palladium, il fait grand bruit auprès des fans du groupes par la qualité de sa réalisation et sa setlist reprenant les innombrables tubes du groupes. La sortie du DVD précède de peu celle du second album solo de Greg Graffin, Cold as the Clay le 11 juillet 2006.

Le dernier album du groupe, New maps of Hell est sorti le 10 juillet 2007 aux États-Unis. Il ressort en 2008 en digipack. Le groupe prévoit un nouvel album pour avril 2009.

MISFITS.com Membres du groupe Jerry Only: Bass/Vocals Dez Cadena: Guitar Robo: Drums

From the hell they came... 30 years ago in a small town in New Jersey called Lodi. It was there, at the dawn of the punk movement in April 1977, that the Misfits were born. Taking for their name the title of Marilyn Monroe's final movie, they set out to make an impression. They wound up making history and creating a legacy which has withstood the test of time. Today, boasting a massive catalog of music old and new, a new lineup and an influence felt around the world, the Misfits are generating more interest than ever before. From its inception, the Misfits were primal. Their music was aggressive, confrontational and dangerous with violent lyrics as seen through the eyes of a monster, coupled with timeless vocal melodies bred from 1950's rock and roll. Immortalizing black and white B horror films in their music, the Misfits developed a ghoulish and totally unique persona, from their hand made musical weapons to the stiletto hairstyle they called the "devil locks." It was the early days of punk and they had created a rebellion all their own. Thirty years on, the Misfits have endured hardcore's heyday as punk rock's monster squad, a band whose cult following - a pseudo-secret coven known as the Fiend Club - inspired them to continue to write, record and tour. These "Fiends" (as their fans are known), which are still multiplying globally, go back now several generations and also includes many artists. In fact, bands across the spectrum of rock have offered their tribute by covering the band's material, including Guns 'n Roses, with the classic Misfits song "Attitude;" My Chemical Romance who revisited the classic "Astro Zombies" for the soundtrack to "Tony Hawk's American Wasteland" video game; Hatebreed with their namesake song "Hate Breeders" on their upcoming Fall 2008 release "For The Lions" and Metallica who covered no less than three Misfits songs on their double CD set "Garage Days Revisited," while hailing the band as a key influence on their music. A tribute album entitled VIOLENT WORLD featured the likes of Prong, NOFX and Sick of It All.

Pretty Hate Machine (CD - 1989 )
Broken (CD - 1992 )
The Downward Spiral (CD - 1994 )
The Fragile (CD - 1999 )
Things falling apart (CD - 2000 )
And All That Could Have Been - Stil2002l
With Teeth (CD - 2005 )
Year Zero (CD - 2007 )
Year Zero Remixed (CD - 2007 )
Ghosts I-IV (CD - 2008 )
The Slip (CD - 2008 )







PRESENTATION WIKIPEDIA:

Nine Inch Nails (NIИ), est un groupe de rock industriel américain créé en 1988 par Trent Reznor. Ce dernier est connu principalement pour le poste de leader de NIИ, mais aussi pour avoir produit les 3 premiers albums de Marilyn Manson, qui ont ammené ce dernier au succès. L'une des particularités du groupe est d'avoir entrepris avec succès l'assemblage de nombreuses influences musicales (synth pop, metal, electronica, ...) pour en ressortir un son unique ayant eu une grande influence sur de nombreux groupes qui émergeront durant les années 1990 (Rammstein, Marilyn Manson, Stabbing Westward, ...). Nine Inch Nails est aussi célèbre pour avoir popularisé la musique industrielle qui était réservée jusque-là, à une frange extrêmement restreinte de connaisseurs.

Nine Inch Nails s'apparente plus à un projet solo mené par Trent Reznor qu'à un vrai groupe. En effet, ce dernier écrit, compose, joue de tous les instruments, enregistre et mixe les albums en studio. Cependant, différents musiciens ont été engagés durant les tournées ou pour les enregistrements

Étymologie
* Axcess magazine a interviewé Trent Reznor après la sortie de The Downward Spiral en 1994. Ils lui ont demandé comment lui était venu le nom Nine Inch Nails, et voici sa réponse :
Je ne sais pas si vous avez déjà essayé de réfléchir à un nom de groupe, mais généralement tu penses en avoir un génial et tu le regardes le jour suivant et c'est stupide. J'en avais environ 200. Nine Inch Nails a tenu le test des deux semaines, ça avait l'air génial graphiquement et l'abréviation était facile. Ca n'a vraiment aucun sens littéral. Ca semble être effrayant. Dur et viril ! C'est une malédiction d'essayer de proposer des noms de groupe[1].
* Nine Inch Nails, veut dire littéralement clou ou ongle de 9 pouces (soit environ 22 cm.) Il pourrait s'agir d'une référence aux clous qui ont servi à crucifier le Christ ; ces clous sont également utilisés pour fermer les sarcophages. Il pourrait également s'agir d'un rappel de la longueur des ongles du tueur Freddy Krueger dans la série éponyme.

Man Or Machine

Nine Inch Nails is Trent Reznor : cette phrase inscrite sur le livret du premier album Pretty Hate Machine illustre bien le fait que cet album a été composé intégralement par Trent lui-même.

Trent crée le groupe en 1987 et se fait rapidement signer chez TVT records où il sortira en 1989 son premier album Pretty Hate Machine, album orienté très industriel qui ne connaîtra le succès qu'en 1991 lorsque Trent (entouré de musiciens (et amis) engagés pour jouer la musique de NIИ sur scène) entame la tournée Lollapalooza. On y retrouve Head Like A Hole, Terrible Lie ou Sin. Tout a bien démarré pour NIИ quand les choses se gâtent: impressionnés par le succès du groupe, TVT records envisage de prendre le contrôle de la direction musicale de NIИ et donc de Trent. Mais ce dernier ne l'entend pas ainsi et entame d'éprouvantes batailles judiciaires avec sa maison de disque.

L'esclave Hurle

Trent décide alors d'enregistrer le successeur de Pretty Hate Machine sous divers pseudonymes afin que TVT records n'en sache rien. Broken sort en 1992 et coupe totalement avec Pretty Hate Machine par la violence de ses compositions (Wish, Gave Up, Happiness In Slavery, ...) ou l'électro laisse place à la furie des guitares metal. Cet album étrange (99 pistes mais seules les pistes 1, 2, 3, 4, 5, 6, 98 et 99 contiennent des chansons) est difficile d'accès mais connaîtra tout de même le succès. Il sera suivi de son étrange album de remix Fixed, où les chansons sont ré-assemblées de façon plus industrielle.

The Downward Spiral

C'est alors que Trent fonde sa propre maison de disque: Nothing (qui signera notamment Marilyn Manson), où il envisage de sortir le "vrai" successeur du premier album. The Downward Spiral, concept album retraçant l'autodestruction d'un homme jusqu'à son suicide, sort en 1994 et nous livre de nombreux succès tels que Closer, March of the Pigs ou le célèbre Hurt repris plus tard par Johnny Cash peu avant sa mort. La noirceur et la fureur des compositions de cet album qui résulte du mélange de l'électro de Pretty Hate Machine et des guitares de Broken, va même inspirer plusieurs musiciens (Axl Rose de Guns N' Roses, ...) qui voudront réaliser un album similaire.

Cependant, les problèmes liés à la drogue s'intensifient chez Trent qui va alors traverser une période noire, seulement entrecoupée par la collaboration à la bande originale du film Lost Highway de David Lynch marquée par la chanson au titre évocateur The Perfect Drug en 1997 et le double VHS : Closure qui contient tous les clips de NIИ en version non censurée ainsi que 70 minutes d'images backstage entrecoupées de nombreux lives. Ce DVD, bien que disponible sur internet, n'est pourtant jamais sorti dans le commerce, à cause de problèmes avec la maison de disque.Cet album fut enregistré dans la maison où Sharon Tate a été assassinée. Les titres Piggy et March of the Pigs font d'ailleurs écho aux inscriptions sanglantes laissées par « la Famille » (cf: Charles Manson).

The Fragile

Par contre, NIИ revient en 1999 avec le double album The Fragile, plus orienté piano et électronique et beaucoup plus mûr selon certains. L'album, suivi de son album de remix Things Falling Apart, est un gros succès en termes de vente. Plusieurs singles sont sortis pour cette album tel que Into the void ou encore Starfuckers, Inc. (dont le clip a été réalisé par Marilyn Manson)

Mais à nouveau, Trent rencontre des problèmes avec la drogue qui le conduiront vers une cure de désintoxication en 2002, au moment où sort l'album live And All That Could Have Been aussi disponible en DVD et qui montre l'énergie du groupe sur scène.

With Teeth

Et puis surprise : c'est un Trent débarrassé de ses problèmes que l'on retrouve en 2005 et qui nous livre With Teeth, où l'on dirait qu'un voile opaque a été déposé sur la musique. Néanmoins c'est un album assez inabordable à la première écoute, qui nous livre quelques titres connus tels que All The Love In The World, Everyday Is Exactly The Same, Sunspots ou les tubes The Hand That Feeds et Only , qualifié par Trent de simple et efficace. Pour preuve de ce renouveau musical, Trent change totalement son groupe live (composé depuis 1994 de Danny Lohner, Robin Finck, Charlie Clouser et Chris Vrenna) pour un groupe de musiciens inconnus (excepté Twiggy Ramirez à la basse, célèbre pour son travail dans le groupe de Marilyn Manson).

Le groupe vient de terminer sa tournée en trois actes. Le concert Live est sorti au début de l'année 2007 et se nomme Beside You in Time. Ce concert est disponible avec les 3 formats du moment : DVD, HD DVD, Blu-Ray. Une tournée européenne inattendue a également été programmée, prolongée par des dates au Japon et en Australie. Elle se déroule de février à avril 2007. Il s'agit de la plus grande tournée de NIИ sur le continent ; en France, elle est passée par Lille et par Paris (à l'Olympia).

Year Zero

L'album Year Zero est sorti le 17 avril 2007. Selon Trent, c'est un album conceptuel et plus bruyant que les autres albums. Year Zero décrit un futur (an 2022 ou Year Zero) pessimiste. Le gouvernement américain est désormais totalitaire, drogue ses concitoyens pour les garder calmes et arrête (et tue) tous les "résistants" au régime (cela va des réactionnaires aux homosexuels). De nombreux sites web, faisant partie intégrante de l'album (Trent Reznor a déclaré être dégouté par le terme marketing en ce moment), tissent une véritable histoire, avec ces faits et personnages (dont Nine Inch Nails fait partie) arrêtés.

Un deuxième album concept qui fera office de suite à Year Zero devrait sortir en 2008, révélant davantage de détails sur les événements entre nos jours et 2022.

Un album de remix de Year Zero, nommé Year Zero Remixed ou Y34R Z3R0 R3M1X3D est sorti le 20 novembre 2007, il comporte des remix des chansons de l'album par des artistes divers tel que Ladytron, les musiciens de New Order ou encore Saul Williams. La version CD est sortie accompagnée d'un DVD comportant chaque piste de Year Zero décomposée en fichiers WAV, GarageBand et Ableton Live permettant de remixer soi-même chaque morceau. De nombreuses versions de fans des chansons de Year Zero circulent donc sur le net. Year Zero Remixed devrait être le dernier album de Nine Inch Nails à sortir sous format CD.

Ghosts I-IV

Comme annoncé dans divers médias et libéré de toute contrainte d'une maison de disques, Ghosts I-IV, le dernier album, composé de 36 morceaux instrumentaux, est uniquement disponible sur internet sous différents tarifs allant du simple téléchargement gratuit à un coffret très luxueux limité à 2500 exemplaires pour 300$[2]. Les versions en téléchargement sont disponibles depuis le 2 mars 2008 , la version double-CD depuis le 8 avril 2008 et les coffrets depuis le 1er mai 2008. À la base l'album contient 36 chansons mais les détenteurs de l'édition Deluxe ont eu la surprise de découvrir que deux nouvelles chansons inédites ont également été créé (les pistes 37 et 38). Cet album est édité sous la licence "Creative Commons Attribution Non-Commercial Share Alike license

The Slip

Le 5 mai 2008, Trent Reznor a rendu disponible sur le site officiel son nouvel album, intitulé The Slip, Halo 27. Il contient 10 morceaux exclusifs distribués en Licence de libre diffusion Creative Commons, sous divers formats. Peu de temps avant, un single nommé Discipline, avait été rendu disponible sur le net. La sortie CD de The Slip est annoncée pour juillet 2008.

Collaborations

* L'intégralité de la bande-son et des effets sonores du jeu Quake sont crédités à Trent Reznor et à Nine Inch Nails. Certaines armes du jeu sont des pistolets à clous et les boîtes de leurs cartouches sont décorées du logo NIИ du groupe.
* Trent Reznor a produit l'unique album du projet 2wo de Rob Halford (ex-chanteur de Judas Priest). Cet album, Voyeurs, est sorti en 1998.
* Trent Reznor apparaît sur le dernier album de Queens Of The Stone Age Era Vulgaris de 2007.
* Trent Reznor a également crée la musique d'introduction du jeu Doom 3.
* La bande-son du jeu vidéo PC American McGee's Alice à été composée par Chris Vrenna.

Films
* On peut entendre deux courts extraits dans le 11e épisode de la 4e saison de How I Met Your Mother dès la première minute.
* On peut entendre Into the Void à la 45e minute de Destination finale (le titre passe à la radio dans une voiture).
* NIИ a fait une majeure partie de la bande originale de Man on Fire.
* On note également la présence (vers 1h17) de Trent Reznor dans Light of Day à plusieurs reprises. Il y fait d'ailleurs une reprise de True Love Ways.
* L'apparition de Fist Fuck dans Resident Evil lorsque Alice tue les dobermans.
* Dans le générique de Seven, on y entend Closer (Precursor) (non-crédité au générique)
* Pendant le film Tomb Raider, il y a Deep.
* Dans le film The Crow, on entend Dead Souls une reprise de Joy Division. Le groupe est présent dans la bande originale avec The Cure ou encore Machine of Loving Grace.
* Dans la bande originale de The Fan, on entend Closer To God.
* Trent Reznor a participé à la BO du film Lost Highway de David Lynch avec les morceaux: The perfect Drug, Driver down et Videodrones; Questions.
* Dans The Doom Generation de Gregg Araki, on entend Heresy au début du film.
* Dans Les Experts saison 3 épisode 15 on entend Closer dans le club sado-maso.
* Dans Natural Born Killers (ou Tueurs nés), on peut entendre Burn, Something I can never have ainsi que A warm place. C'est d'ailleurs Trent Reznor qui a fait l'assemblage de la bande originale du film.
* Dans The Hitcher, on entend Closer lorsque le tueur en série abat un hélicoptère et plusieurs voitures de police ainsi que lors de la poursuite en voiture.
* Dans le premier épisode de la série MillenniuM, on peut entendre tout le long de l'épisode Piggy.
* Just Like You Imagined (The Fragile) est la musique de la Bande Annonce du film 300 (film).
* Dans Wanted : choisis ton destin, de Timur Bekmambetov : au début du film on peut découvrir Everyday is Exactly the Same de l'album With Teeth, lorsque WESLEY passe au distributeur.

Entourage

Mr. Bungle
Faith No More
Fantômas
Tomahawk
Peeping Tom
John Zorn
Kaada
The Dillinger Escape Plan
Dan The Automator
Jennifer Charles
Merzbow
Melvins
Sepultura
Björk
Eyvind Kang
Handsome Boy Modeling School
The X-Ecutioners
Dub Trio 

Praxis

Style et influences

Mike Patton a été souvent décrit comme étant de nature imprévisible et expérimentale, notamment dans ses styles vocaux[43]. Aux débuts de Mr. Bungle, le groupe jouait du death metal et Patton faisait usage du grunt[44]. Par la suite, Mr. Bungle afficha d'autres influences plus diverses, dont le jazz, le surf rock, et la loun

ge[44]. Patton utilise un chant plus nasal dans certaines pistes de The Real Thing de Faith No More[45]. Mike Patton a également démontré ses aptitudes à rapper, le critique musical Stephen Thomas Erlewine le déclarant « capable de passer sans effort du rap au chant[46]. » Dans ses albums solo, Patton affiche une tendance vers la musique expérimentale. Adult Themes for Voice a été enregistré a cappella sur un quatre-pistes et consiste de cris et sons créés avec la voix de Patton. Pranzo Oltranzista contient des instruments de musique et, d'après la description du critique musical Will York, « alterne les sections de suspens angoissant avec des déchaînements de bruit discordant[47]. » Dans la majorité des albums de Fantômas, Patton prononce des syllabes sans sens, se servant de sa voix comme instrument de musique, à l'exception notable de The Director's Cut, où il chante des reprises de musiques de films[48]. À ce sujet, Patton affirma dans une interview que « la musique de ce groupe [Fantômas] est suffisamment compliquée. Des paroles me sembleraient vraiment gênantes[25]. » Dans Suspended Animation, Patton mélange des éléments de la musique de dessins animés, de comptines, et de thrash metal avec de la musique électronique et du free jazz[49].

Sur scène, Mike Patton apparait ou se comporte parfois de manière peu orthodoxe. Aux débuts de Mr. Bungle, lui et le reste du groupe portaient des masques[44]. Patton et les membres de Tomahawk portent souvent des uniformes d'agents de police[30]. Pendant un concert avec Tomahawk, le 10 mars 2002, Patton urina sur le public, tout en continuant de chanter[50],[51]. Suite à l'incident, Patton a déclaré qu'il ne s'agissait pas de son pénis, mais d'un godemichet à eau qu'il avait dissimulé dans son pantalon dans les coulisses[52]. Pendant que Faith No More jouait "Epic" aux MTV Music Awards de 1990, Patton gesticula sur scène pour imiter le poisson du clip[53],[54]. Pendant son troisième concert avec Faith No More, Patton se blessa la main droite accidentellement avec une bouteille brisée. Cette blessure endommagea les nerfs et les tendons de sa main, et les médecins pensaient qu'il ne pourrait plus utiliser sa main. Contrairement aux prédictions des médecins, Patton peut toujours utiliser sa main, mais a perdu tout sens du toucher sur celle-ci[55]. Pendant ses concerts avec Faith No More, Patton effectuait plusieurs fois des saltos, mais atterrissait douloureusement sur le dos, tout en continuant de chanter[56],[57]. Patton est également un fan des Lakers de Los Angeles, et a porte des maillots de l'équipe occasionnellement[58].

Mr. Bungle et Faith No More (1985 - 1995)

Mike Patton forme Mr. Bungle à l'âge de dix-sept ans^[1] avec Trevor Dunn et Trey Spruance en 1985 alors qu'ils sont tous trois lycéens^[3],[4]. C'est avec ce groupe que Patton enregistre ses premières démos, The Raging Wrath of the Easter Bunny en 1986, et Bowel of Chiley l'année suivante^[3]. En jouant un concert dans le nord de la Californie, les membres de Faith No More rencontrent Patton en 1988, et écoutent une des démos de son groupe. Impressionnés, il lui proposent de remplacer leur chanteur, Chuck Mosely, avec qui ils ont des problèmes. Faith No More font par ailleurs la même invitation à Chris Cornell^[2]. Patton hésite avant d'accepter, car il est déjà chanteur pour Mr. Bungle et étudiant à l'Humboldt State University, mais il accepte, en précisant qu'il serait à la fois membre de Faith No More et de Mr. Bungle^[5]. Cette même année, Mr. Bungle sort une autre démo, Goddammit I Love America!. C'est en 1989, alors que OU818, la quatrième et dernière démo de Mr. Bungle, fait sa sortie, que Faith No More connait un succès commercial international avec The Real Thing, qui est reconnu pour avoir lancé la vague de funk metal des années 1990 et pour avoir fortement influencé les groupes de la scène nu metal^[6]. Patton, qui avait été recruté au dernier moment, n'a pas l'opportunité de participer à la composition des titres, mais s'occupa néanmoins de l'écriture des textes de certaines chansons^[7],[8]. Mr. Bungle signe un contrat avec Warner Bros. Records, en partie grâce au succès de Mike Patton avec Faith No More, puis sort en 1991 Mr. Bungle, le premier album du groupe, produit par John Zorn^[9]. Patton commence alors à collaborer avec ce dernier en participant à son album Elegy, sorti en 1992^[10]. Patton réalise un court métrage, Video Macumba, en 1993^[11]. En 1994, Patton épouse Titi Zuccatosta^[12]. En 1995, Faith No More en était à deux albums avec la collaboration de Patton, (Angel Dust, en 1992, et King for a Day... Fool for a Lifetime, en 1995), et Mr. Bungle en était à son second, avec Disco Volante.

Collaborations et projets musicaux (1995 - 1999) [modifier]

En 1996 il participe à l'album Roots du groupe brésilien Sepultura en chantant sur la piste "Lookaway" avec Jonathan Davis^[13]. Cette même année, le premier album solo de Patton fait sa sortie sur Tzadik Records: Adult Themes for Voice. Cet album consiste d'enregistrements sonores d'effets vocaux que Patton avait effectués dans les chambres d'hôtel pendant ses tournées avec Faith No More, et peut être vu à la fois comme une œuvre de musique expérimentale et de musique bruitiste^[14]. En 1997, Patton co-écrit et chante sur la piste "Mine" sur l'album Blood Rooted, de Sepultura^[15]. Patton apparait sur plusieurs autres albums cette année là, dont la compilation Great Jewish Music: Burt Bacharach, où il chante et joue les claviers sur la piste "She's Gone Away", Great Jewish Music: Serge Gainsbourg, une autre compilation où Patton chante et joue tous les instruments de la piste "Ford Mustang", et Fear No Love de Bob Ostertag, où Patton chante sur deux pistes^{[16],[17],[18]}. Il sort également son second album solo, Pranzo Oltranzista, constitué de ses compositions expérimentales jouées par divers musiciens dont John Zorn, avec qui il collabore souvent à partir de 1999^[19]. Faith No More sort son dernier album studio, Album of the Year, puis annonce sa dissolution officielle l'année suivante, en 1998^[20]. Cette année là, Patton collabore avec plusieurs artistes dont John Zorn et Trey Spruance dans l'enregistrement d'un album appelé Weird Little Boy^[21]. Il participe aussi à la compilation Great Jewish Music: Marc Bolan sous le nom de Fantômas, un nom qu'il utilisera plus tard pour un supergroupe expérimental^[22]. C'est donc en 1999 que Patton fonde Fantômas, avec Dave Lombardo de Slayer à la batterie, Trevor Dunn de Mr. Bungle à la basse, et Buzz Osborne des Melvins à la guitare^[23]. Pour sortir les albums enregistrés avec Fantômas, il fonde Ipecac Recordings avec Greg Werckman^[24]. Lors d'une interview en 2004, Patton affirma qu'une des raisons qui l'a poussé à fonder son propre label était qu'aucun autre label ne voulait publier ses disques^[25]. Toujours en 1999, Patton et l'artiste de musique bruitiste japonais Merzbow collaborent sous le nom de Maldodor pour sortir l'album She^[26].

Fantômas et Tomahawk (1999 - aujourd'hui) [modifier]

Avec Fantômas, Mike Patton sort en 1999 Fantômas, où il utilise sa voix comme instrument en chantant des syllabes dénuées de sens^[27]. 1999 annonce aussi la sortie du dernier album studio de Mr. Bungle, California^[28]. Après une tournée en Europe et en Australie l'année suivante, Mr. Bungle n'a plus été actif en tant que groupe, et les membres du groupe n'ont pas annoncé vouloir continuer à jouer de la musique en tant que Mr. Bungle^[9]. En 2000, Patton fonde Tomahawk avec Duane Denison, ancien membre de The Jesus Lizard^[29]. Au début des années 2000, le groupe INXS demanda à Patton s'il souhaitait remplacer leur chanteur. Le guitariste Slash proposé à Patton de former un nouveau groupe avec des anciens membres de Guns N' Roses. Patton refusa ces deux invitations, déclarant qu'il était « trop occupé^[30]. » En 2001 sortent les albums The Director's Cut et Tomahawk, de Fantômas et de Tomahawk, respectivement, suivis de Millennium Monsterwork 2000, un album live de Fantômas et des Melvins^[31]. En 2001, Patton fait partie de Lovage, le projet musical de Dan The Automator, et figure sur l'album Music To Make Love To Your Old Lady By^[32].

C'est également cette année là que lui et sa femme, Titi Zuccatosta, divorcent, en partie à cause du temps et de l'énergie que Patton met dans ses projets musicaux^[12]. Il chante pour The Dillinger Escape Plan (qui avait fait la première partie de Mr. Bungle en 1999) en 2002 sur leur album Irony is a Dead Scene^[33]. En 2003, Tomahawk sort son deuxième album, Mit Gas^[34]. L'année suivante, Patton sort un album en collaboration avec Kaada, Romances^[35]. Le troisième opus de Fantômas, Delìrium Còrdia, sort en 2004, et consiste d'une seule piste durant plus d'une heure^[36].

En 2005, Patton fait son début au cinéma, avec Firecracker, un film dont il joue l'un des rôles principaux, mais trouve tout de même le temps de sortir Suspended Animation, le quatrième album de Fantômas, et General Patton Vs. The X-Ecutioners^[37]. Cette année là, Firecracker reçoit cinq récompenses et une nomination, notamment au Raindance Film Festival^[1],[38]. En 2006, il sort Peeping Tom une compilation de collaborations avec divers artistes, dont Norah Jones, Rahzel, et Massive Attack^[39]. L'acteur Danny DeVito fait par ailleurs une apparition dans le clip du single Mojo^[40]. Il fait partie du film Je suis une légende un an plus tard en doublant les zombies^[41]. En 2007, en plus de sortir le troisième album de Tomahawk, Anonymous, Patton enregistre les voix pour les jeux vidéo The Darkness et Portal, une activité qu'il continue l'année suivante avec Left 4 Dead et Bionic Commando^[41]. Il sort en 2008 un troisième album solo, cette fois-ci sur Ipecac Recordings : A Perfect Place. Cet album, composé entièrement par Patton, est la bande originale d'un film du même nom^[41]. En mars 2008, il part en tournée avec le groupe italien Zu, qui avait fait la première partie des concerts de Fantômas et des Melvins dans leur tournée en 2006^[42].

INFECTIOUS GROOVES

Biographie in http://metalship.org

Création : 1990, Etats-Unis, Venice
Genre : Fusion funk/metal
Groupes proches : Suicidal Tendencies, Dan Reed Network
Label actuel : Suicidal Records
Myspace : myspace.com/infectiousgrooveso...

Mike Muir Chant
Steve Brunner Basse
Dean Pleasants Guitare
Mike Clark Guitare
Brooks Wackerman Batterie
Robert Trujillo Basse, ancien membre 1990-1997
Adam Siegel Guitare, ancien membre 1990-1994
Stephen Perkins Batterie, ancien membre 1990-1992
Josh Freese Batterie, ancien membre 1992-1993

Infectious Grooves voit le jour en 1990, sous l'impulsion du bassiste Robert Trujillo , féru de funk et de groove. mike Muir est séduit et se joint à lui. Ils forment rapidement un groupe autour d'eux, composé de Dean Pleasants et d' Adam Siegel aux guitares et de Stephen Perkins à la batterie. Une première démo est enregistrée, qui séduit les pontes d'Epic, alors maison de disque de Suicidal Tendencies d'où se sont échappés provisoirement le chanteur et le bassiste.

Le premier album, au nom facile à retenir ( The Plague That Makes Your Booty Move... It's The Infectious Grooves ) parait l'année suivante. le but est d'être funky et fun, sans limites, une antithèse à Suicidal Tendencies en somme.. Ce premier opus s'avère très bon et connaîtra un sacré succès. Mais quand parait Sarsippius' Ark sort en 1993, les ventes ne sont plus les mêmes, tendance qui se confirmera avec Groove Family Cyco l'année suivante, un album qui permettra au monde de découvrir un jeune talent, Brooks Wackerman , terrifiant de dextérité derrière ses fûts.

Puis Mikue Muir décide de fusionner les deux groupes et ça deviendra une débâcle. Trujillo s'en va en 1997 et sans lui, c'est un pan créatif qui s'effondre. Un album sortira encore en 2000 ( Mas Borracho ), mais difficile de le différencier totalement avec du Suicidal Tendencies. Le groupe fera un long break, avant de revenir en 2008 sur scène (dont un concert Parisien explosif).

SUICIDAL TENDENCIES

BIOGRAPHIE IN http://metalship.org

Création : 1982
Genre : Crossover, heavy metal
Groupes proches : Infectious Grooves
Origine : Etats-Unis, Venice
Label actuel : XIIIbis
Site officiel : suicidaltendencies.com

Mike Muir Chant
Mike Clark Guitare
Dean Pleasant Guitare
Steve Brunner Basse
Ron Brunner Batterie
Rbert Trujillo Basse, ancien membre 1989-1995
Rocky George Guitare, ancien membre 1989-1995
Josh Paul Basse, ancien membre 1997-2002
Brooks Wackerman Batterie, ancien membre 1997-2002

Suicidal Tendencies se forme en 1982 à Venice, Californie. Le groupe évolue dans un crossover punk hardcore et on remarque que les membres portent tous un bandana de couleur bleu, comme le signe distinctif d'un gang. Les débuts ne sont pas simples, certains journalistes n'hésitant pas à enfoncer le combo. Pourtant, le premier album sortira en 1983. Suicidal Tendencies réalise de très bonnes ventes pour le style. Mais malgré ce succès, le groupe prend un break de quatre ans.

Suicidal Tendencies revient en 1987 donc avec l'album Join The Army qui persévère toujours dans un crossover de bonne qualité. En revanche, How Will I Laugh Tomorrow If I Can't Even Smile Today? commence à se teinter de relents thrash de bon aloi qui propulse le groupe en terme de ventes.

En 1989, de nouveaux membres intègrent le groupe dont le bassiste Robert Trujillo . En 1990, Lights...Camera...Revolution ! confirme Suicidal Tendencies, qui devient vraiment important. Les ventes décollent encore un peu plus et même le Vieux Continent se laisse séduire par le thrash crossover du gang de Venice. The Art Of Rebellion en 1992 marque un virage heavy metal. Si pour certains la bande à Muir perd en sincérité, le rendu est de qualité et installe confortablement le groupe. On commence à voir les bandanas colorés dans tous les magazines de metal qui se respectent un tant soi peu. Si Still Cyco After All These Years est la réédition du premier album, Suicidal For Life en 1994 confirme l'orientation heavy metal. Mais lentement, le groupe décline et en 1995, Mike Muir annonce à la stupéfaction générale, le split.

Split qui sera de courte durée. Suicidal Tendenceies revient en 1997 avec de nouveaux musiciens. Seul Mike Clark reste fidèle au poste. Là, le groupe enchaîne tournées et albums ( Six The Hard Way en 1998, Freedumb en 1999. En 2001, le groupe prend un nouveau break, mais annonce son retour pour 2009. Wait and see comme disait l'autre.

RAGE AGAINST THE MACHINE

BIOGRAPHIE  IN: htlm://metalship.rg

Création : 1991
Genre : Fusion rap-metal
Groupes proches : Downset
Origine : Etats-Unis, Los Angeles
Label actuel : Epic
Site officiel : ratm.com

Zach De La Rocha Chant
Tom Morello Guitare
Timmy C. Basse, Tim Commerford de son vrai nom
Brad Wilk Batterie

Rage Against The Machine (qui sera mentionné sous le diminutif de RATM dans cette bio) se forme à Los Angeles, en 1991, quand Tom Morello assiste à un show de Zach De La Rocha dans un club de rap. Impressionné par l'énergie déployée par le chanteur et séduit par les propos de l'homme, le jeune guitariste convainc De La Rocha à former un groupe. Le batteur Brad Wilk est recruté via une annonce tandis que Timmy C. , à la basse, est un ami d'enfance de Zach.
Le groupe se rode sur scène, parvenant à ouvrir pour Porno For Pyros et accédant à la scène secondaire du festival Lollapalooza, se faisant ainsi signer par Epic qui sur ce coup a eu le nez très creux. Quant au nom du groupe (comprendre Rage envers le système en français), il était à l'origine le nom d'une composition d' Inside Out , groupe de hardcore dans lequel officiait De La Rocha. Le groupe ayant splitté, RATM le récupère car il correspond parfaitement au discours du groupe : altermondialiste, contre le néolibéralisme, contre le racisme...
Le premier album éponyme est un pavé dans la mare. Au milieu de la vague grunge, RATM arrivait avec un style unique, ce mélange entre rap et un metal hérité à la fois de Led Zeppelin et de Black Sabbath avec une approche funky, des paroles qui frappent fort, une pochette qui rappelle les heures sombres des USA au Vietnam (il s'agit d'une photo bien réelle qui a été utilisée).
Le groupe en profite pour tourner beaucoup, s'impliquer dans des actions publiques contre le racisme, présenter leur soutien à certaines personnes, comme Mumia Abu-Jamal et donc par extension, militer contre la peine de mort. Ils protesteront également contre la censure en restant sur scène complètement nus pendant 14 minutes. En 1994, De La Rocha s'approchera du groupe zapatiste, l'Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN). Une activité qui ne fera pas que des amis au groupe.
Cependant, le groupe est fatigué et l'ambiance se détériore. RATM est en phase de spliter, mais le groupe parvient à calmer le jeu et sortira son second album, Evil Empire . La pochette décalée, présentant un super héros, est une nouvelle critique sur le besoin de héros des USA et le titre est une référence à des paroles de Reagan concernant l'est communiste. Passé le titre Bulls On Parade, l'album ne provoque pas le même engouement que son grand frère et n'est de toute façon pas à la hauteur.
En 1997, le groupe participe à l'émission Saturday Night Live et se feront éjecter à vie de la chaîne télévisée. Ce jour là, il y avait un multimillionnaire américain d'invité également...
En 1999, le groupe enregistre The Battle Of Los Angeles qui montre un et mieux et qui annonce le départ de Zach De La Rocha qui veut se lancer dans une carrière solo. En 2000, aux MTV Arwards, le groupe est en compétition pour le meilleur clip rock, mais se fait coiffer au poteau par Limp Bizkit . Timmy escaladera les échafaudages du décor et empêchera ainsi Limp Bizkit d'interpréter son titre tandis que Caliméro (aka Fred Durst ) déclare que son groupe est le plus haï au monde.
Sans Zach, Rage Against The Machine n'a plus de raison d'être, mais le groupe ne splite pas. Il est rejoint par Chris Cornell , l'ancien leader de Soundgarden et RATM est rebaptisé en Audioslave . Cependant, RATM se reformera en 2007 et est actuellement en tournée.

Jeffrey Scott Buckley, 17 novembre 1966, Anaheim, Californie- 29 mai 1997, Memphis, Tennessee
Auteur-compositeur-interprète, Multi-instrumentiste: Guitare, Guitare basse, Batterie, Harmonium, Dulcimer, Sitar, Tablâ, Harmonica

Rock alternatif, Hard rock, Folk rock, Blues

Années actives 1991-1997
Label(s) Columbia Records

Site internet www.jeffbuckley.com

Jeff Buckley (né à Anaheim, Californie le 17 novembre 1966 et mort à Memphis, Tennessee, le 29 mai 1997) est un chanteur, musicien et auteur-compositeur américain. Il est le fils du chanteur Tim Buckley et de Mary Guibert, et est l'auteur d'un unique album studio, « Grace », sorti en 1994. Il connaîtra, après son décès, une très grande reconnaissance posthume. Il est considéré aujourd'hui comme un des artistes majeurs des années 1990.

Enfance
À la naissance de Jeff, ses parents Tim Buckley et Mary Guibert sont déjà séparés : Tim préfèrera se consacrer à la musique plutôt qu'à la vie de famille (son premier album, intitulé « Tim Buckley », sorti le 19 novembre 1966, deux jours après la naissance de Jeff)[2]. Jeff vivra donc avec sa mère (le divorce de Tim et Mary sera prononcé le 29 août 1967[3]).

Jeff et sa mère habitent au départ chez les parents de Mary, mais la jeunesse de Jeff sera rythmée par de nombreux déménagements, et avec un niveau de vie parfois des plus modestes.

L'éveil et la passion de Jeff pour la musique se fait beaucoup par sa mère qui jouait très souvent du piano en sa présence (des morceaux de Beethoven et Rachmaninov entre autre)[4]. Durant cette période, il découvre également des artistes comme les Beatles, Simon & Garfunkel mais aussi Édith Piaf, dont il découvrit les chansons à l'école. Par la suite, Jeff est également beaucoup revenu sur l'importance de Ron Moorhead dans sa formation musicale. Ron fut le deuxième époux de Mary Guibert (de 1969 à 1973) et est le père de Corey James Moorhead (né en mars 1972), le demi-frère de Jeff. Il faisait découvrir à Jeff beaucoup de groupes de rock dont les Moody Blues, Crosby, Stills & Nash, les Doors ou encore Led Zeppelin[5].

Le 29 juin 1975, Tim décède d'une overdose à l'âge de 28 ans. Jeff ne connaîtra que très peu son père : tous les deux ne se voyaient qu'à de rares occasions. Jeff le verra tout de même une fois en concert (à Huntington Beach près d'Anaheim, deux mois avant le décès de Tim)[6]. Tim avait si peu de relations avec Jeff et Mary que ces derniers ne seront même pas invités aux obsèques[7]. Tim Buckley avait enregistré deux chansons parlant d'eux : « I Never Asked To Be Your Mountain » et « Dream Letter ».

Adolescence
C'est à partir de 1979 que Jeff se passionne vraiment pour la musique : il aime à l'époque le rock progressif (notamment les groupes Yes et Rush) mais surtout, il reçoit pour Noël sa première guitare électrique, une imitation d'une Gibson Les Paul noire avec laquelle il apprend notamment à jouer le morceau My Sharona du groupe The Knack (ce morceau est également le premier que Kurt Cobain apprit à jouer)[8] ,[9]. Il développera beaucoup son jeu de guitare en intégrant, en 1981, l'orchestre de jazz de son lycée (Jeff était inscrit au lycée Loara à Anaheim, le même lycée où ses parents se sont rencontrés[10]).

En avril 1982, il devient membre de « Powerage », un groupe de hard-rock formé par 3 de ses amis de lycée. L'arrivée de Jeff au sein du groupe les fera évoluer vers un style plus rock progressif et le groupe se rebaptisera « Mahre Buckham » (C'est un mélange des syllabes de leurs noms de familles : Tim Marse, Robin Horry, Jeff Buckley et Jason Hamel[11])[12]. Au départ, Jeff ne voulait pas chanter mais il sera tout de même derrière le micro pour leur premier concert, le 21 septembre 1982 (ils joueront essentiellement des reprises dont « Fire » de Jimi Hendrix, « Roxanne » de Police et « Spirit of Radio » de Rush). Le groupe se sépare après une poignée de concerts supplémentaires dont le dernier eut lieu lors de la fête de fin d'année de leur lycée[13].

En 1984, Jeff déménage à Los Angeles. Grâce à un capital d'argent placé à la mort de son père, il parvient à s'inscrire au Guitar Institute of Technology. Avec deux autres élèves de cette école, il formera un trio et passera ses journées à travailler sa musique. Durant cette période, il s'ouvrit à d'autres styles de musique comme le jazz, la bossa-nova ou encore le reggae[14].

Il obtient son diplôme l'année suivante. Les choses vont alors un peu stagner pour Jeff : il fera essentiellement plusieurs emplois alimentaires et enregistrera tout de même, en 1987, sa première maquette intitulée « White Boy Music »[15].

Les débuts
Durant l'été 1988, il rencontre Michael Clouse, le propriétaire d'un studio d'enregistrement à Glendale, dans lequel plusieurs groupes viennent enregistrer des maquettes. Ils deviennent amis et démarrent ainsi une petite collaboration : Jeff compose et enregistre des arrangements pour les démos des clients de Michael tandis que ce dernier s'occupe des parties son et mixage[16].
« Je veux faire un album qui fasse oublier « Led Zeppelin II » ! » - Jeff Buckley à Michael Clouse (durant leur collaboration de 1988 à 1990)[17]

Jeff rejoindra également un groupe de reggae nommé A.K.B. (Al Kirk Band) qui accompagnera notamment, le temps d'un concert, la chanteuse Judy Mowatt (ex-choriste de Bob Marley). Plus tard, il jouera dans Group Therapy, un groupe de hard-rock.

En février 1990, Jeff concrétise une idée qui lui trottait dans la tête depuis plusieurs mois : aller à New York. Il s'y rend avec son ami Shinehead, un chanteur de reggae qu'il accompagne sur scène à l'occasion. Ils y restent quelques mois. Durant cette période, Jeff compose quelques chansons, dont « Eternal Life », et fait la découverte du chanteur Nusrat Fateh Ali Khan qui deviendra une des plus ses plus grandes influences musicales[18] ,[19]

Jeff revient à Los Angeles en septembre 1990 après que Herb Cohen, l'ancien manager de son père, lui propose de l'aider et de financer l'enregistrement d'une maquette (Herb se tenait très souvent au courant des progrès musicaux de Jeff). Il enregistre ainsi, en compagnie de Michael Clouse, quatre chansons (« Unforgiven », qui sera plus tard rebaptisée « Last Goodbye », « Eternal life », « Strawberry Street » et « Radio ») qu'il rassemblera sous le nom « The Babylon Dungeon Sessions »[21].

Ces chansons n'auront pas le succès espéré et mis à part une rencontre et une tentative de collaboration avec la chanteuse Carole King au début de l'année 1991, les choses n'avanceront pas beaucoup pour Jeff[22].

« Greetings from Tim Buckley » : la rencontre avec Gary Lucas [modifier]
C'est en avril 1991 que tout va vraiment démarrer pour Jeff Buckley quand un concert en hommage à son père est organisé à l'église Saint-Ann de New York. Hal Willner, l'organisateur de ce projet intitulé « Greetings from Tim Buckley », prend contact avec Herb Cohen (l'ancien manager de Tim) qui lui signale l'existence de Jeff et du talent de celui-ci. De cette façon, Jeff finira par être invité à jouer au concert[23]. Jeff Buckley retourne donc à New York le 20 avril. Une fois là-bas, Hal Willner lui présente rapidement Gary Lucas (un ancien collaborateur de Captain Beefheart) avec l'idée de les faire jouer ensemble durant le concert. Le courant passe rapidement entre les deux hommes qui se mettent ainsi au travail[24].

Le jour du concert, le 26 avril, ils joueront notamment « Sefronia-King's Chain », « Phantasmagoria In Two » et surtout « I Never Asked To Be Your Mountain », chanson avec laquelle Jeff a toujours entretenu des rapports ambigus (« Je suis mentionné dans la chanson, tout comme sa petite amie de l'époque, ma mère. C'est une chanson magnifique, que j'admirais et haïssais à la fois, et c'est pour cette raison que c'est celle que j'ai chantée »[25]). Le public sera très impressionné par Jeff, sa voix et ses qualités de chanteur. Il volera ainsi la vedette à tous les autres musiciens invités, à tel point qu'au moment du rappel, il reviendra seul sur scène interpréter « Once I Was »[26].

Après ce concert, Jeff prolonge son séjour à New York de plusieurs semaines : il est sollicité de toute part et fait la rencontre de Rebecca Moore, présente dans le public, qui deviendra sa petite amie[27].

Gods & Monsters
Jeff retourne ensuite à Los Angeles et démarre des répétitions avec ses amis Chris Down (claviériste de Fishbone) et Carla Azar. Ils envisagent de former un vrai groupe (ils composeront notamment le morceau « What Will You Say » que Jeff jouera ensuite très souvent sur scène)[28].

Au même moment, à New York, Gary Lucas, très satisfait de sa collaboration avec Jeff, lui propose une place de chanteur dans son groupe Gods & Monsters. Pour motiver Jeff à revenir à New York, Gary se met à composer des morceaux et les lui envoie[29]. Ce sera surtout la présence de Rebecca Moore à New York qui, en juin 1991, va décider Jeff à y revenir (par intermittence au départ) et s'investir dans le groupe de Lucas[30].

Ainsi, Jeff se met au travail avec Gary. Il écrit des paroles et compose une mélodie pour les deux morceaux que ce dernier lui avait envoyés et qui deviennent alors « Grace » et « Mojo Pin ». Le 17 août 1991, ils enregistrent ces deux chansons aux studios Krypton avec Jared Nickerson à la basse et Tony Lewis à la batterie et décrochent un peu plus tard un contrat avec le label « Imago »[31] ,[32].

Début 1992, Jeff quitte définitivement L.A. et s'installe avec Rebecca Moore dans le Lower East Side de New York. L'association Lucas/Buckley se constitue rapidement un plus gros répertoire avec, entre autres, des compositions comme « She's Free », « Harem Man » ainsi que des reprises telles que « L'Hymne à L'Amour » (d'Édith Piaf) et « Satisfied Mind » (de Porter Wagoner[33])[34] et démarre une série de concerts.

Cependant, des tensions apparaissent dans le groupe : les deux hommes ont des différents artistiques : Gary veut faire signer à Jeff un contrat l'empêchant de s'investir dans d'autres projets que « Gods & Monsters »[35], et Jeff n'est pas satisfait du nouveau contrat que leur propose Imago[36]. Le clash a lieu le 14 mars, le lendemain d'un concert donné à l'église St-Ann (le lieu de leur rencontre) à l'issue duquel, Kate Hyman (la patronne du label Imago) devait décider de continuer ou non la collaboration avec « Gods & Monsters ». Kate donnera son accord pour signer Jeff mais pas « Gods & Monsters ». Cette décision et les différents entre Gary et Jeff mettront un terme à leur collaboration[37].

Le phénomène du Sin-é bar
Jeff commence alors à se produire seul sur scène. Par l'intermédiaire de Daniel Harnett, un ami de Rebecca Moore, il découvre un petit bar irlandais du nom de « Sin-é », situé dans le Lower East Side de New York et qui accueille fréquemment les musiciens locaux. Jeff y jouera pour la première fois en avril 1992[38]. Il appréciera très vite l'endroit et reviendra rapidement faire d'autres concerts.

Shane Doyle, le patron du bar, appréciera tellement les performances de Jeff qu'il le fera jouer au « Sin-é » tous les lundis. Jeff y joue quelques unes de ses compositions (« Mojo Pin », « Grace », « Eternal Life » et « Unforgiven »), mais surtout beaucoup de reprises de ses idoles dont, entre autres, Bob Dylan, Nina Simone, Nusrat Fateh Ali Khan, Joni Mitchell et Van Morrison[39]. C'est aussi à cette époque que Jeff commence à chanter Hallelujah de Leonard Cohen. Il devient ainsi durant le printemp 1992, une des attractions du Lower East Side et le public devient de plus en plus nombreux[40].

A cette, époque Jeff se produit également à d'autres endroits. À la Knitting Factory, il participe notamment à « Cobra », un projet expérimental du musicien John Zorn dont le concept est le suivant : les chanteurs arrivent sans rien préparer, reçoivent une indication plus ou moins vague et doivent, immédiatement après, monter sur scène et improviser quelques choses[41] ,[42].

Mais c'est au « Sin-é » que la carrière de Jeff franchira une étape supplémentaire. Là-bas, son succès est tel que, durant le mois de mai, de nombreux directeurs artistiques s'y rendent pour le voir en concert [43]. Il reçoit plusieurs propositions et passe ensuite plusieurs mois à les étudier en compagnie de Georges Stein (son avocat et futur manager). Le 29 octobre, après de nombreuses hésitations, il signe un contrat avec Sony Music, sur leur label Columbia. Le fait que son idole Bob Dylan soit signé sur cette maison de disque fut un critère déterminant dans son choix mais Steve Berkowitz, le directeur artistique de Columbia était aussi le seul à s'accrocher et à accepter les conditions de Jeff Buckley en termes d'argent (avances et pourcentages) et de liberté artistique[44].

Une fois, le contrat signé, les choses vont considérablement ralentir : Jeff veut prendre son temps. Il continuera de jouer au « Sin-é » ainsi qu'à d'autres endroits durant plusieurs mois, il fera quelques brèves tentatives d'enregistrements en studio mais aucun réel enregistrement d'album n'est prévu[45]. Il rencontrera tout de même, en juin 1993, le producteur Andy Wallace (qui a également mixé l'album Nevermind de Nirvana) et les deux hommes se mettront d'accord pour travailler ensemble.

Les choses progressent en juillet 1993 quand « Columbia » décide, avec l'accord de Jeff, de l'enregistrer en concert au Sin-é. Un premier essai est fait le 19 juillet mais sa prestation n'est pas bonne : Jeff est nerveux car même si des amis à lui sont présents, le public est fortement composé de gens de chez Columbia[46]. Une deuxième tentative est faite le 17 août, en petit comité, et cette fois, tout se passera bien : Jeff parviendra à retrouver l'ambiance habituelle de ces concerts[47]. Un CD-Maxi du concert sortira le 23 novembre[48].

L'enregistrement de « Grace »
Avant d'enregistrer un album, Jeff veut se trouver des musiciens. Pour cela, il rencontre dans un premier temps Mick Grondahl, un jeune bassiste n'ayant jamais joué en groupe auparavant, puis quinze jours plus tard, il fait la connaissance d'un batteur nommé Matt Johnson. Les trois hommes démarrent ainsi des répétitions où sera composé le morceau « Dream Brother ». Les essais étant concluants, les deux musiciens sont alors recrutés[49]. Ils feront leur premier au « Sin-é » le 19 septembre.

« Rien ne vaut un groupe. Prends n'importe quel grand album, il importe peu que ce soit un artiste solo comme Van Morrison, sur ses albums, comme Astral Weeks, il y avait un super groupe. Ma musique préférée a toujours été faite par des groupes. »
- Interview de Jeff Buckley durant l'enregistrement de l'album « Grace »[50]

Le lendemain du concert, ils se rendent tous les trois aux studios « Bearsville » à Woodstock pour enregistrer leur premier album qui sera produit par Andy Wallace[51].

En entrant en studio, Jeff n'avait qu'une idée très vague de ce qu'il allait enregistrer. Il enregistrera dans un premier temps et pour s'échauffer quelques reprises de Bob Dylan, Bukka White, Hank Williams ou encore Nina Simone[52] ,[53].

Durant l'été 1993, Jeff recontacte Gary Lucas car il souhaite enregistrer les chansons « Grace » et « Mojo Pin » qu'ils avaient composées ensemble. Gary donnera facilement son accord et sera même invité à les rejoindre en studio. Les tensions apparues durant l'époque « Gods & Monsters » étaient donc apaisées et Gary vint passer quelques jours au studio et enregistrer les parties de guitare qu'il avait composées[54].

Au départ, avec Andy Wallace, il fut question que Jeff n'enregistre qu'un album de reprises[55], mais finalement il décide d'enregistrer ses compositions et de n'enregistrer que 3 reprises pour l'album : « Lilac Wine » (de James Shelton), « Hallelujah » (de Leonard Cohen) et « Corpus Christi Carol » (de Benjamin Britten). L'album se dessinera ainsi, petit à petit.

Quelques temps avant la fin des sessions, Jeff et ses musiciens composent une nouvelle chanson intitulée « Forget Her » et l'enregistrent également. Cette chanson retient particulièrement l'attention de Steve Berkowitz qui surveillait régulièrement l'évolution des sessions et qui voit en cette chanson un « single » potentiel[56].

Les sessions se terminent mais l'album n'est pas complètement achevé. En effet, Jeff qui partira un moment seul en tournée à travers les États-Unis et le Canada, décide d'auditionner avec ses musiciens un nouveau guitariste, Michael Tighe (un ami de Jeff rencontré par l'intermédiaire de Rebecca Moore). Le courant passe entre les 4 hommes et Michael est recruté. Très peu de temps après son embauche, Michael et Jeff composeront un nouveau morceau intitulé « So Real » que le groupe enregistrera (ainsi que « Kanga-Roo », une reprise de Big Star) à New York[57]. Jeff Buckley parviendra à enregistrer le chant de « So Real » en une seule prise, ce qui est une performance tout à fait exceptionnelle[58].

Jeff imposera ensuite cette nouvelle chanson pour l'album, en remplacement de « Forget Her » qu'il trouve plutôt faible. Steve Berkowitz et les gens de Columbia ne sont eux pas du tout du même avis mais finiront pourtant par accepter cette modification[59].

L'album est cette fois-ci bel et bien terminé, Jeff le nomme « Grace » et il sort en août 1994 en Europe puis aux États-Unis. Les titres qui y figurent sont les suivants : Mojo Pin , Grace, Last Goodbye (anciennement appelé Unforgiven), Lilac Wine, So Real, Hallelujah, Lover, You Should Have Come Over, Corpus Christi Carol,
Eternal Life, Dream Brother (ce titre est un clin d'œil à la chanson Dream Letter que chantait Tim Buckley[60]

Les tournées
En juin 1994, Jeff et son groupe démarrent leur première tournée aux États-Unis. Mis à part quelques concerts dont notamment celui du « Fez » à New York, le 17 juin (des personnalités comme Chris Cornell, Winona Ryder et The Edge sont présentes dans la salle), cette tournée ne fera pas grand bruit (principalement parce que l'album n'était pas encore sorti)[63]. Le 16 août 1994, ils feront un concert d'adieu au « Sin-é ». Jeff part ensuite à Londres passer du temps en compagnie de Liz Fraser, la chanteuse des Cocteau Twins ; ils auront une brève relation et composeront également une chanson intitulée « All Flowers In Time »[64].

Le 23 août 1994, l'album sort aux États-Unis mais Mick Grondahl, Matt Johnson et Michael Tighe rejoignent Jeff à Dublin (d'où est originaire son grand-père paternel) pour préparer une tournée d'un mois en Europe. Le premier concert de Jeff pour cette tournée aura lieu au « Garage » à Londres, le 1er septembre. Le 22 septembre, Jeff fera son premier concert français au « Passage du Nord-Ouest » à Paris[65].

Ce sont en fait deux années de tournées ininterrompues qui commencent. Grace reçoit un très bon accueil critique, plus encore en Europe qu'aux États-Unis (il sera récompensé par le Grand Prix international du Disque 1995 de l'académie Charles Cros[66]), mais les ventes sont assez modestes, du moins pour Columbia. Jeff va ainsi s'épuiser dans des tournées interminables, dans des concerts d'envergures diverses, des petits festivals partout dans le monde ou encore au Sin-é où il reviendra plus tard.

A la manière des musiciens de Jazz qui improvisent leur musique autour d'un thème musical, Jeff et son groupe interprètent toujours les mêmes chansons mais chaque fois différemment des soirs précédents (ils rallongeaient certains passages ou jouaient de nouveaux arrangements)[67].

Les chansons qu'ils jouaient étaient principalement : « Mojo Pin », « Grace », « Last Goodbye », « So Real », « Lover, you should have come over », « Eternal Life », « Dream Brother », « Hallelujah », « What Will You Say », « Kick Out The Jams » (reprise du MC5) ainsi que la fameuse chanson « Kanga-Roo » qui sera à l'origine d'un gros clash entre Jeff et les gens de Columbia qui trouvent que le morceau est trop long (15 minutes en moyenne) et qu'il nuit à ses prestations. Jeff, lui, ne l'entend pas de cette oreille et continuera malgré tout de jouer cette chanson. Il ira même, parfois, jusqu'à la dédier au personnel de sa maison de disques[68].
A cette liste de chansons, Jeff en rajoutait souvent quelques autres selon ses envies du moment. Ils ont ainsi interprété des morceaux de The Smiths, Led Zeppelin, Edith Piaf, Judy Garland ou encore Siouxsie Sioux[69].

Dates Villes Salles
22 septembre 1994 Paris Passage du Nord-Ouest            8 février 1995 Toulouse Bikini
9 février 1995 Montpellier Salle Victoires                                10 février 1995 Lyon B52
11 février 1995 Paris Bataclan                                                  13 février 1995 Rennes Ubu
14 février 1995 Strasbourg La Laiterie                                     6 juillet 1995 Paris Olympia
7 juillet 1995 Paris Olympia

La popularité de Jeff Buckley, sans être gigantesque à l'époque, lui posera quelques problèmes : le 4 juin, par exemple, il est photographié en compagnie de Courtney Love qui cherchait à le séduire depuis quelques temps. Ces photographies entraîneront de nombreuses rumeurs alors que leur relation était strictement amicale[72]. Un autre événement le contrariera beaucoup quand le magazine People le cite dans un classement des 50 plus beaux hommes du monde. À ce sujet, il déclara : « C'est facile d'avoir du succès, cela n'a pas grand chose à voir avec la musique, mais avec le look, l'exposition médiatique... [...]. Je serai toujours musicien, je n'ai pas besoin d'avoir ma photo partout [...]. Ce que je veux vraiment c'est toujours pouvoir jouer, jusqu'à ce que je tombe. »[73].

Avec la fatigue des tournées, Jeff n'arrive plus à écrire de nouvelles chansons (au bout d'un an de tournées à travers le monde, 207 concerts au total ont été donnés[74]). Malgré cela, sa maison de disque exercera beaucoup de pression sur lui pour qu'il enregistre rapidement un deuxième album. En effet, à la fin de l'année 1995, Grace s'est vendu à 750 000 exemplaires dans le monde (dont 180 000 exemplaires aux États-Unis[75]), mais Columbia aurait avancé près de 2,2 millions de dollars en clips, tournées, singles et sessions d'enregistrements, si bien que les ventes de l'album ne lui permettent pas de rembourser intégralement sa maison de disque et il doit ainsi éponger ses dettes[76].

« Depuis l'année dernière, je n'ai pas été capable d'écrire une chanson. Toujours en tournée, pas moyen de prendre la moindre distance. (...) Je me sens cheap et inutile. Il faut que je me remette à écrire... Quand je me vois, j'ai honte, je ne suis plus qu'un pantin traîné de salle en salle. »
- Jeff Buckley au magazine Les Inrockuptibles[77]

D'autre part, le rythme très éprouvant des tournées viendra à bout du batteur, Matt Johnson. En plus ne plus supporter ce rythme, il commence aussi à être victime de problème auditif lié au volume sonore des prestations répétées du groupe et des tensions apparaissent également entre lui et Jeff car il accepte mal le mode de vie excessif de ce dernier (forte consommation d'alcool, de cigarettes et expérimentation de certaines drogues). Ainsi, en novembre 1995, voulant anticiper le départ dont leur parle leur ami, Jeff, Mick et Michael vont démarrer quelques répétitions avec un nouveau batteur, Eric Eidel. Mais les choses en restent là pour l'instant[78]. Matt quittera ensuite le groupe au début de l'année 1996 après une dernière tournée de quinze dates en Australie. Michael Tighe déclara à ce sujet : « Matt en a eu assez des tournées [...] Avec Jeff, il entretenait une relation particulièrement fraternelle, ils étaient similaire en bien des points. Cela a été dévastateur pour le groupe quand il est parti. »[79].

Sketches For My Sweetheart The Drunk
Après le départ de Matt Johnson, le groupe ne tourne plus et (sous la pression de Steve Berkowitz et de Columbia) se concentre alors sur l'écriture et l'enregistrement de ce second disque. Eric Eidel sera alors reconvoqué et le 15 juin, le groupe entre au studio Sorcerer Sound à New York pour tenter d'enregistrer ce deuxième album (déjà intitulé My Sweetheart The Drunk) avec Tom Verlaine (leader du groupe Television) à la production. Tom Verlaine et lui se sont rencontrés la même année durant l'enregistrement de l'album Gone Again de Patti Smith auquel Jeff Buckley fut invité à participer. Il joue sur le morceau « Fireflies » et fait des chœurs sur « Beneath The Southern Cross » (à noter que quatre célèbres musiciens de rock sont présents sur ce morceau : Tom Verlaine à la guitare, John Cale au clavier, Patti Smith et Jeff Buckley au chant).

Cette première session d'enregistrement de My Sweetheart The Drunk est un échec : les conditions sont précaires, le temps est limité et Eric Eidel, leur nouveau batteur, ne parvient pas à s'adapter à tous les morceaux[80]. Jeff Buckley décide alors de repousser l'enregistrement de l'album.

Durant l'automne 1996, Jeff décide de se séparer d'Eric Eidel. Le moral de Jeff est alors au plus bas et ses proches s'inquiètent de le voir boire autant d'alcool et le soupçonnent d'abuser d'autres drogues (à noter que Jeff avait auparavant avoué avoir déjà pris des drogues tout en parlant de libération ou d'aide à la créativité pour se justifier)[81]. Les choses vont s'améliorer au début de l'année 1997, quand Mick Grondahl lui présente Parker Kindred, un nouveau batteur qui, après quelques répétitions, sera rapidement embauché[82].

Le 5 février 1997, le groupe est de nouveau en studio, cette fois-ci en compagnie de Michael Clouse à la production, mais seulement pour quelques jours. Ils enregistreront une poignée de nouveaux morceaux dont Haven't You Heard. Selon Michael Tighe, ces sessions étaient « juste des essais pour avoir des trucs sur bande et voir comment les arrangements fonctionnaient[83] ».

Fin février, le groupe retourne en Studio avec Tom Verlaine, mais cette fois-ci à Memphis. Ce sera un nouvel échec : Jeff Buckley, musicien extrêmement perfectionniste, veut sans arrêt reprendre chaque morceau et Tom Verlaine râle après les musiciens. Au final, seuls quelques morceaux sont enregistrés, dont Opened Once que Jeff Buckley enregistre seul avec Tom Verlaine, tandis que le reste du groupe est reparti à New York[84].

Le 22 mai, resté à Memphis pour s'isoler et composer de nouveaux morceaux, il envoie à ses musiciens une maquette contenant de nouvelles chansons et les invite à le rejoindre à Memphis pour les enregistrer (au téléphone avec Michael Tighe il lui dira : « C'est la première fois que je me sens vraiment bien avec cette musique, je me sens comme quand nous sommes partis en tournée pour la première fois pour Grace[85] ».)

Le 29 mai 1997, le groupe prend l'avion pour rejoindre Jeff Buckley. Attendant leur arrivée, il part se promener au bord de la Wolf River, fleuve boueux et affluent du Mississippi, avec son ami Keith Foti et décide d'aller se baigner, tout habillé. Après le passage d'un bateau à roues, il disparaît dans les eaux. Son corps est retrouvé six jours plus tard[86], près de Beale Street dans le Mississippi, par un passager du bateau de tourisme « American Queen »[87]. Il avait 30 ans.

Hommages et Carrière posthume

Portrait de Jeff Buckley« Techniquement, c'était le meilleur chanteur à être apparu depuis probablement vingt ans. [...] Plus j'écoute Grace, plus j'apprécie son talent absolu... Ce n'est pas loin d'être mon album préféré de la décennie. »
- Jimmy Page à propos de Jeff Buckley[88]

C'est après sa mort que Jeff Buckley est le plus médiatisé : même si l'album Grace fut un succès à sa sortie, ses ventes ont explosé après sa mort, notamment grâce aux nombreux hommages qui lui ont été rendus à sa mort et durant les années suivantes dans la presse musicale ainsi que par quelques artistes célèbres dont Jimmy Page (voir la citation plus haut), Brad Pitt ou encore Alanis Morissette[réf. nécessaire].

Après la mort de son fils, Mary Guibert décida pratiquement tout de suite de prendre en charge la gestion de sa mémoire.Elle refusera, dans un premier temps, de se rendre à la cérémonie funéraire organisé par les amis New Yorkais de Jeff (qui eu lieu le 11 juin 1997 à la St Mark's Church) et en organisera une nouvelle, plus "people", à la St Ann's Church de Brooklyn (où tout avait vraiment démarré pour Jeff) le 31 juillet et 1er août 1997 où des personnalités telles qu'Elvis Costello, Marianne Faithfull ou encore Rebecca Moore s'y rendront[89].

Dès le décès de Jeff Buckley, les gens de Columbia, ne perdant pas pour autant leur sens des affaires, programment la sortie d'un album posthume pour octobre 2007[90]. Ils avaient récupéré les enregistrements fait avec Tom Verlaine et projettaient de les faire mixer par Andy Wallace. Mary s'opposera à cette initiative jugée trop précoce et non respectueuse de la mémoire de son fils. Elle reprendra alors ce projet en compagnie de Don Devito et de Chris Cornell (ex-chanteur de Soundgarden et ami de Jeff)[91].

Ainsi, en mai 1998, sort Sketches For My Sweetheart The Drunk[92], un double album composé de la 1re session d'enregistrement, dont Buckley n'était pas satisfait, et des démos 4-pistes qu'il avait enregistré seul à Memphis plus tard, comme brouillon pour ce qui aurait dû être le nouvel album[93].

Après un procès intenté au manager de Jeff en juillet 1998 et remporté ensuite, Mary Guibert gèrera tout ce qui concerne la musique de son fils : de la publication de disques jusqu'aux autorisations d'utiliser sa musique[94].

En mai 2000, elle publie, avec l'aide de Michael Tighe, Mystery White Boy, un album live enregistré durant les tournées de 1995 à 1996.

L'année suivante, ils publient en France uniquement, Live à L'Olympia[95].

Bien que certaines personnes commencent à critiquer le fait de voir autant d'albums posthumes être publiés[96], Gary Lucas publie Songs To No One en 2002. Cet enregistrement reprend les chansons de ce dernier en compagnie de Jeff Buckley au sein de Gods & Monsters.

Pour les dix ans de la sortie de Grace, une version remasterisée de l'album est édité. Elle est nommée Grace Legacy Edition et est aug menté d'un deuxième disque contenant la chanson Forget Her que Jeff avait remplacé par So Real et quelques reprises que le groupe avait enregistré durant les sessions d'enregistrement de l'album.

Jeff Buckley a eu une influence considérable dans le monde musical des années 1990. En particulier, il est un des principaux inspirateurs de la vague pop/rock mélancolique et des groupes Radiohead (leur chanson « Fake Plastic Tree » fut écrite par Thom Yorke en revenant, complètement bouleversé d'un concert de Jeff Buckley), Coldplay (lors d'une interview, Chris Martin a déclaré : « Moi aussi, j'ai tout piqué à Thom Yorke ou à Jeff Buckley[97] »), Starsailor, Muse, Travis ou encore le chanteur Badly Drawn Boy reconnaissent tous son influence[98].

Chansons composées en hommage à Jeff Buckley[99]
Cocteau Twins[100] « Rilkean Hearts » et « Half Gifts » Milk And Kisses
Chris Cornell « Wave Goodbye » Euphoria Morning
PJ Harvey « Memphis » Good Fortunes
Aimee Mann « Just Like Anyone » Bachelor n°2
Brenda Kahn « Sidestep The Bullet » Hunger
Mike Doughty[101] « Grey Ghoste » -
Juliana Hatfield « Trying Not To Think About It » Please Do Not Disturb
Duncan Sheik « A Body Goes Down » Humming
Hole « Boys On The Radio » Celebrity Skin
Mark Eitzel « To The Sea » The Invisible Man

En 2008, la popularité de Jeff Buckley connaît un nouvel essor grâce notamment à des interprétations d'Hallelujah par Jason Castro dans l'émission American Idol. En effet, la semaine suivant sa prestation, la chanson (la version de Jeff Buckley) devient n°1 des ventes par téléchargement aux États-Unis[102]. En France, dans l'émission La Nouvelle Star (la version française), Julien Raoux (durant le casting) et Benjamin Siksou (dans un des Prime-Time) ont fait de même. La chanson passe depuis régulièrement à la radio et les ventes de l'album ont nettement augmenté[103].

Paradoxalement à ce succès, Jeff Buckley, lui, n'était pas satisfait de sa version (« Ma version est trop rapide. [...] Je devais choisir entre celle-ci et une autre que je détestais vraiment. En tout, il doit bien exister vingt-deux versions qui traînent quelque part[104] »), et selon Gary Lucas, il n'aurait pas aimé une telle « mythification » de son nom (« Il n'aurait pas aimé ça, il en avait suffisamment entendu sur son père. [...] Il ne se rêvait pas en héros, lui-même n'en avait pas. [...] Si Jeff a été et restera si marquant, c'est que sa musique a toujours été celle d'un survivant. »[

Possible adaptation cinématographique de sa vie: En 2001, une rumeur annonçait Brad Pitt dans la peau du chanteur mais le film ne se fit jamais, notamment à cause du refus de Mary Guibert, la mère de Jeff Buckley. Toutefois, elle aurait changé d'avis. Ce retournement de situation serait dû à deux points importants : la qualité des biopics (biographic pictures, films biographiques) récents tels Ray ou Walk the Line, et la possibilité qu'un film se fasse sans son accord. Le film serait réalisé par un jeune metteur en scène du nom de Brian Jun[106].

Album
1994 : Grace (Columbia Records): Mojo Pin, Grace, Last Goodbye , Lilac Wine , So Real , Hallelujah , Lover, You Should Have Come Over , Corpus Christi Carol , Eternal Life , Dream Brother

Albums posthumes
1998 : Sketches for My Sweetheart The Drunk (Columbia Records)
Cd 1 : The Sky Is A Landfill , Everybody Here Wants You , Opened Once , Nightmares By The Sea , Yard Of Blonde Girls , Witches' Rave , New Year's Prayer , Morning Theft , Vancouver , You & I ,

Cd 2 : Nightmares By The Sea , New Year's Prayer , Haven't You Heard ,I Know We Could Be So Happy Baby (If We Wanted To Be) , Murder Suicide Meteor Slave , Back In N.Y.C. , Gunshot Glitter , Demon John , Your Flesh Is So Nice
Jewel Box , Satisfied Mind ,

Mystery White Boy (2000) ,                                                                                            Live In Chicago (DVD/Video) (2000)
Live à L'Olympia (2001)                                                                                                 Songs To No One 1991-1992 (2002)
Live at Sin-é Legacy Edition [archive] (2003)                                                             Grace EP's (2002) contient cinq EP
Grace (Legacy Edition) (2004)                                                                                      So Real : Songs From Jeff Buckley

                                                                                                                                            (2007) (compilation)

Singles, EP
The Babylon Dungeon Sessions (EP enregistré en septembre 1990)[107] non édité.
Live at Sin-é (1993)                                                                                                            Hard Lucky Tour Australia (1995)
Last Goodbye (1995)                                                                                                         Live From The Bataclan (1996)
Everybody Here Wants You (1998) (EP australien)                                                     So Real (1999)
Eternal Life (1999)

C'est Jonathan Morali qui est à l'origine de Syd Matters. Lauréat du concours CQFD organisé par Les Inrockuptibles en 2002, il sort un premier album très remarqué, A Whisper and a Sigh, en 2003. Syd Matters devient un groupe lorsqu'il s'entoure de quatre musiciens pour Someday We Will Foresee Obstacles (20

05). Leur troisième album, Ghost Days (2008), entérine la magie des chansons mélancoliques de Moral

i.

Jonathan Morali naît à Paris en 1980. Bercé par le folk américain qu'écoutent s

es parents, il se plonge très vite dans les sonorités douces et étranges de Donovan ou de The Pink Floyd. Il apprend à jouer de la guitare grâce à des magazines mensuels spécialisés en la matière, et commence à composer des chansons sans sa chambre d'adolescent. Après le bac, il débute sans grande conviction des études d'histoire, et commence à enregistrer, toujours dans sa chambre, les morceaux qui deviendront ceux de son premier album. Et décide de s'appeler Syd Project en référence à Syd Barrett.

Le Lauréat

En 2002, Morali envoie ces morceaux-là au magazine musical Magic qui s'enthousiame aussitôt et l'encourage à persister dans sa démarche. Lorsqu'il prend contact avec le tout jeune Third Side Records, dont il représente l'heureuse première signature, les dirigeants de celui-ci lui conseillent de changer de nom. En l'espace de quelques minutes, Syd Project devient alors Syd Matters. En décembre de la même année, les Inrockuptibles, à qui il avait envoyé ses compositions, le rappellent afin de le faire participer à CQFD. Ce concours, organisé cette année-là pour la première fois, sert à promouvoir les talents émergents. Sa chanson « End and Start Again » charme le public, et il remporte le concours.

A Whisper & A Sigh

Fort de cette reconnaissance à la fois critique e t publique, il sort son premier disque, un maxi joliment intitulé Fever in Winter, Shiver in June. Morali y assure le chant, la guitare, les claviers, les boîtes à rythme, etc. Les six chansons du disque se réclament d'un folk et d'une pop savamment mêlées, flirtant avec le planant, et riches de paroles aussi romantiques que poétiques. A Whisper & A Sigh paraît quelques mois après, toujours en 2003. Le joli « Black and White Eyes », déjà présent sur Fever in Winter, Shiver in June, remporte un réel succès d'estime. Pour sa tournée, Morali recrute quatre musiciens qui l'accompagneront dorénavant en studio comme en concert. Il s'agit du batteur Clément Carles, du bassiste Jean-Yves Lozac'h et des guitaristes Rémi Alexandre et Olivier Marguerit. Syd Matters devient ainsi un groupe.

Sauts d'obstacles

Après des mois de tournée, il est temps pour Syd Matters de se concentrer sur un nouveau projet.
Le très attendu Someday We Will Foresee Obstacles sort en avril 2005. Même si Morali reste le principal compositeur et unique parolier de Syd Matters, c'est le premier album représentant le fruit d'un travail collectif du quintette, et le résultat est convaincant. Une meilleure production, une instrumentation solide, un folk nourri de pop et de rock : Someday We Will Foresee Obstacles est une incontestable réussite avec des chansons comme « To All of You », plus accessibles que les précédentes. Syd Matters part ensuite pour une longue tournée en France et à l'étranger.

Une bande originale presque victorieuse

En 2007, Syd Matters signe la bande originale du film de Nicolas Klotz, La Question Humaine, nommée aux Victoires de la Musique 2008 (catégorie « Musique originale de Cinéma de l'année »). Les onze titres inédits qui composent la bande originale rappellent l'ambiance du film porté par Mathieu Amalric. Sombre à l'image du pessimiste long-métrage de Klotz, la musique de Syd Matters s'y révèle plus triste qu'à l'accoutumée. Selon les dires de Morali, travailler avec Klotz lui a beaucoup appris, notamment sur la concentration et la détermination à mener à bien un projet de longue haleine.

Ghost Matters

Le troisième album du groupe, Ghost Days, paraît en janvier 2008. Remarqué par sa pochette signée du plasticien new-yorkais Jason Glasser (également musicien du groupe FruitKey), le disque brille toujours d'un travail soigné sur l'ambiance, l'onirisme et l'émotion. Présent depuis le début de l'aventure de Syd Matters, Yann Arnaud (qui possède à son actif de producteur Air, Christophe Honoré ou Noir Désir) se charge du mixage et d'une partie de la production. Près d'une dizaine de musiciens s'y sont investis, ce qui est une première. Cependant, bien que Syd Matters soit désormais un groupe à part entière, l'omniprésence charismatique de Jonathan Morali s'impose toujours.